velharias

Vue de la nouvelle décoration de la Foire Saint-Germain

2012-02-11T23:46:00.002Z

Recentemente, encontrei esta estampa do século XVIII por um preço irrisório na Feira de velharias de Estremoz. Representa a Feira de St. Germain e fiz algumas pesquisas para saber mais sobre gravura em que personagens galantes se passeiam tendo por detrás um cenário de edifícios característicos do classicismo francês.

Num site sobre história do teatro, http://cesar.org.uk//, baseado na tese de doutoramento de uma senhora, uma tal Nuria Aragonès Riu, encontrei a explicação para esta imagem curiosa. A Vue de la Nouvelle Décoration de la Foire Saint-Germain é uma vista óptica mostrando a nova feira de st- Germain, em Paris, reconstruída após o incêndio de 1762. Portanto, a estampa pode ser datada a partir de 1763, ano em que a feira reabriu as suas portas até mais ou menos aos anos de 1780, a julgar pelas toilletes das personagens.

Quatro versos alexandrinos lêem-se no rodapé da gravura Des cendres d’Ilion renait une autre Troye/Vesnés de toutes parts livrés vous à la Joye/Un prince bienfaisant our recréer Paris/A rétabli ce lieu digne séjour des Ris”. Esta alegoria poética compara a nova Feira de S. Germain com a destruição e reconstrução da antiga Tróia.

A feira é representada com uma arquitectura neoclássica, idealizada. Os transeuntes são em número reduzido e pertencem à nobreza, como nos indicam os trajes sumptuosos.

A fidalguia e grandes burgueses passeando-se na feira

Esta imagem simétrica e regular contrasta com as descrições que as fontes da época fazem dela, caracterizando-a como um evento bem popularucho, como aliás são sempre as feiras em toda à parte do mundo. Também não se sabe e esta gravura representa com fidelidade a arquitectura da feira, já que esta foi novamente destruída em 1779, penso que por outro fogo.

A gravura apresenta uma curiosidade suplementar, no centro está representando um teatro, o chez les Nicolet, que pertenceu a um dos mais célebres comediantes populares franceses, Jean-Baptiste Nicolet (1728-1796).

As personagens da Commedia dell’arte:Cassandro, Pierrot, Isabel, Arlequim e Colombina. No topo das porta o monograma do Rei Luís

No balcão do teatro encontramos os personagens típicos da Commedia dell’arte, o velho Cassandro, Pierrot, uma personagem feminina, sem dúvida, Isabel, Arlequim e ainda uma outra figura que é possivelmente Colombina. Era hábito, os actores destas companhias fazerem umas representações gratuitas no exterior, para atraírem o público ao interior do teatro, onde se desenrolava o verdadeiro espectáculo e esse claro, era pago.

Julgo que esta estampa seria talvez uma forma de a companhia popular de Nicolet arvorar-se ao estatuto de uma grande companhia de teatro, frequentada por um público saído da nobreza ou da grande burguesia e sedeada num edifício clássico, o que não correspondia à verdade, pois era uma companhia de feira, em que os momentos cómicos se misturavam com números de malabarismo e espectáculos de marionetas. Em todo o caso, a popularidade de Nicolet foi tanta, que em 1772, o Rei Luís XV viu o espectáculo e apesar de ser um homem blasé, gostou e a companhia pode então intitular-se pomposamente La Troupe des Grands-Danseurs du Roi.

A estampa saiu da casa editora Basset, na rua de S. Jacques, em Paris, conhecida impressora e loja de estampas de temas populares, cuja existência de prolongou pela primeira metade do século XIX fora. Esta editora era um negócio familiar, que passava de pais para filhos e é mais provável que esta estampa tenha sido dada à luz no tempo de André Basset (1749?-1785?)

Na nossa Biblioteca Nacional existe uma estampa assinada por este André Basset, representado uma vista idealizada de Lisboa reconstruída depois do Terramoto e que também apresenta o título principal invertido. Julgo que se este artifício se destinava a que a gravura fosse vista através de um espelho, já que na decoração das casas francesas do século XVIII era costume usar 4 espelhos colocados simetricamente, um cada canto da sala.

O leque da pequena Cândida (1919-1929)

2012-02-06T00:30:00.002Z

Há uns anos descobri na casa da família materna um embrulho, com uns 3 ou 4 cadernos escolares, preenchidos com uma letra infantil, uma lousa da escola e um leque infantil com um gato. O referido embrulho estava identificado como tendo pertencido a Maria Cândida, uma das irmãs da minha mãe, que morreu com 10 anos de idade. Emocionei-me com o pouco que a Maria Cândida deixou da sua existência, pois para além destes cadernos e do leque com o gatinho, que imaginamos que deveria ser o seu pequeno tesouro, ficou uma fotografia dela morta e julgo que é a única imagem dela. Claro, as suas roupas passaram para os irmãos mais novos, porque nos anos vinte, não havia lugar para a desperdícios ou superstições em vestir aos vivos roupa que pertenceu a mortos.

Também já não há ninguém que se lembre da pequena Maria Cândida viva. A minha mãe nascida em 1927, já não se recordava dela. A irmã do meio a Francisca também poucas memórias tinha dela. Sabia que era parecida com a irmã, tinha as mesmas pernas compridas de aranhiço, mas só por causa desta fotografia. Só a Maria Adelaide, a irmã mais velha se lembrava da Maria Cândida. Recordo-me de a ouvir contar que os pais lhe tinham prometido uma surpresa e ela convenceu-se que era uma boneca. Quando finalmente a surpresa nasceu na forma de uma menina, a Maria Cândida, a minha tia Maria Adelaide chorou e chorou de desgosto durante horas inconsoláveis, sentada nos degraus de uma escada, pensando na boneca que não recebeu.

Tirando estes pequenos episódios quase patéticos, não restou quase nada dos 10 anos de vida da Maria Cândida. Já não há ninguém vivo que a tivesse conhecido para a chorar. Ficou este leque com o gatinho.

O chá da Mimi: o discreto bom gosto da Vista Alegre

2012-02-05T00:10:00.001Z

Há peças que nos marcaram desde a infância e este serviço da Vista Alegre, decorado em tons de beije e ouro velho, que se encontrava na casa da minha avó Mimi, tornou-se para mim uma espécie de arquétipo do que é o bom gosto e a discrição. Os meus pais têm um serviço de chá semelhante, mas mais recente e durante alguns anos fui oferecendo à minha sobrinha Maria peças de um conjunto de jantar com uma decoração parecida. Depois da casa da minha avó ser desmanchada fiquei com o serviço de chá e não me canso de admirar a sua distinção sóbria. Aliás é curioso, que o Manel também se deixou encantar por ele e comprou numa casa de velharias um serviço de café igual a este só que em tons de azul celeste.

A marca das peças é aquela que a Vista Alegre usou entre 1922-1947 e posso talvez presumir que a minha avó Mimi o tenha comprado logo a seguir ao seu casamento nos anos 20.

Aliás comprou o conjunto todo, jantar, café e chá, mas os meus irmãos e eu repartimo-lo e agora cada um de nós tem a sua parte, o que pena tê-lo desmembrado, mas a vida é mesmo assim. Gosto tanto dele, que até já comprei duas peças do Serviço de Jantar na feira da Ladra, um prato coberto e uma travessa, mas não é fácil encontra-lo.

Resolvi partilha-lho hoje convosco, apesar de não ter nenhum bolo para acompanhar, como nos concorridos chás das terças-feiras, dados pela nossa Maria Andrade.

Faiança dos Ratinhos: ancestrais e modernas

2012-02-03T00:19:00.006Z

O prato da segunda seguidora Anónima

As peças de faiança conhecidas pelos Ratinhos são objecto por parte dos seus proprietários de um verdadeiro culto. São loiças simultaneamente ancestrais e modernas, pois os desenhos tanto podiam ter saído das mãos de um artesão muçulmano da idade Média como da imaginação de um Picasso ou de um Matisse. E no entanto, estas faianças não se confundem com mais nenhumas outras.

Talvez por causa desta singularidade dos Ratinhos, os posts que lhes dediquei ao longo deste blog sobre este assunto são dos mais consultados e certamente por essa razão, as pessoas contactam-me por e-mail enviando-me cópias dos seus Ratinhos. Nem sempre os publico no blog, pois sou um mero amador e não sei o que dizer sobre esses pratos, para além de que gosto deles. Mas desta vez resolvi fazer um apanhado e mostrar os que gostei mais e submete-los à apreciação desta tertúlia virtual, que formam os seguidores do meu blog. Gostava particularmente que a primeira seguidora misteriosa se pronunciasse quanto à classificação deles.

O primeiro é um prato gigantesco com 53 cm, que pertence a segunda seguidora anónima, que agora regressou ao nosso convívio. Esta peça de dimensões excepcionais está também marcada, o que é raríssimo. Foi feita na Casa de loiças de Justiniano Adélio Semedo. Procurei no Sandão e no Queiroz referência a este artesão e não encontrei nada. No entanto, a proprietária. Informou-me que no 4º leilão da colecção de António Capucho IV, na página nº 131 aparece um prato atribuído a Coimbra, com a seguinte referência Depósito de louça de João Marcelino Semedo.

Imagem gentilmente enviada pela Seguidora Misteriosa, do catálogo do Leilão do Palácio do Correio velho, Colecção António Capucho, Parte IV, 2005

Ora como já vimos aqui no post sobre faiança de Coimbra, a profissão de oleiro e fabricante de faiança passava de pais para filhos é natural que este João Marcelino seja familiar do Justiniano e que se trata da mesma oficina. Quanto à decoração o prato classifica-se no género zoomórfico.

O Prato da Quina

Outro prato da Quina

o prato da Quina de decoração irradiante

Depois a nossa amiga idanhense a Quina, enviou-me dois pratos lindos com uma cercadura decorada e um terceiro de decoração irradiante, isto para usar a classificação citada pela Maria Andrade e que julgo ser da autoria da primeira seguidora misteriosa.

O prato da Constança

Seguem-se dois pratos enviados pela Constança, o primeiro com duas folhas que se distribuem livremente pela superfície e o segundo, absolutamente espectacular, dividido ao meio com duas flores nas bordas. Nunca tinha visto nada como este prato e acho-o de um modernismo assombroso, embora tenha sido feito por uma mulher ou homem que não sabiam ler.

O prato da Constança. Um modernismo que parece ter saído de um tempo em que Picasso, Matisse ou um Amadeo Souza Cardoso agitavam Paris

Finalmente o Luís, enviou-me uma imagem de um Ratinho, todo ele geometria, que também me fascina.

O Ratinho do Luís

Hoje não escrevi muito. Julgo que que muitas palavras distraem-nos de contemplar estas obras de arte dos humildes ratinhos.

Jarra de faiança de fabrico do Norte

2012-01-27T00:20:00.001Z

Apesar da crise, fiz mais um disparate na feira de velharias de Estremoz. Mas os preços das coisas antigas estão a baixar tanto que é quase impossível resistir a peças que até há 3 ou 4 anos os vendedores pediam o couro e o cabelo por elas. Comprei uma pequena jarra de altar, em forma de balaústre, pintada com um motivo muito bonito, em que flores e uma cortina estão presas a uma linha azul.

O conjunto apresenta aquela leveza característica das artes decorativas da primeira metade do século XIX.

Um interior da primeira metade do séc. XIX. Reparem nas cortinas do topo do quadro, algo semelhantes às da jarra

A jarra não está naturalmente marcada, como é vulgar na faiança portuguesa. Normalmente, nos catálogos das leiloeiras e nos inventários on-line dos museus portugueses este tipo de faianças com estas decorações florais são atribuídas a fábricas do Porto ou Gaia. Uns vão mais longe e arriscam Santo António do Vale da Piedade e mais raramente a Miragaia, pois desde a exposição de 2008, a pessoas ficaram a conhecer melhor o que a Fábrica Rocha Soares realmente produziu.

Jarra do Museu Nacional Soares dos Reis atribuída a Sto. António do Vale da Piedade

Reproduzo aqui a uma jarra do Museu Nacional de Soares dos Reis com uns motivos florais semelhantes a este e que está atribuída a Santo António do Vale das Piedade. Mas como todos sabemos, as fábricas copiaram-se umas às outras e as semelhanças podem não querer dizer nada.

Em suma, poderei afirmar que será uma jarra de meados do século XIX, provavelmente de fabrico do norte e tudo o mais são conjecturas.

Francisco (1891-1916)

2012-01-25T01:05:00.005Z

Além de forma de culto aos mortos, escrever memórias familiares é sempre uma tentativa de descobrirmos mais sobre nós, entender como somos e como nos formámos, pois acreditamos que somos uma combinação genética, fruto de várias uniões entre homens e mulheres que nos antecederam. Procuramos por isso descobrir nas fotografias dos nossos antepassados os mesmos olhos, uma boca e um queixo semelhantes aos nossos, como se de certa forma houvesse elementos fisionómicos imortais, que passassem de geração em geração.

Estes pensamentos foram-me despertados pela fotografia de um antepassado meu, o Francisco Manuel, que morreu em 1916, com 25 anos, de um acidente de caça. Tal como todas as pessoas que morreram jovens, manteve uma certa áurea em volta da sua memória. Ninguém se recorda dele como um velho chato, rezingão ou decrépito e incontinente, mas sempre como o jovem finalista de medicina que partiu demasiado cedo.

Quando eu tinha 16 ou 17 anos, a sua sobrinha, descobriu que eu era parecido com ele e talvez o fosse na altura. Tal como ele tinha igualmente o brilho da juventude, o rosto comprido e na altura vestia-me de uma maneira retro, com roupas antigas do meu pai, o que me dava um certo ar de fotografia do passado. Aliás, ainda hoje cultivo um pouco esse estilo.

Mas a procura de parecenças, fica pela fisionomia. Além de outra fotografia dele, ainda criança, tirada na companhia dos pais e irmã (a minha avô materna), pouco ou nada sei dele. Era finalista de medicina e morreu num desastre de Caça e nestas duas frases praticamente se resume o que ficou dele. Deixou também algures no país um filho ilegítimo. Presumo, que no Porto, porque a Faculdade de Medicina já existia naquela cidade por volta de 1912-1916 e tenho ideia que ter ouvido falar que essa sua família secreta estava Porto. Claro desse filho ou filha do Francisco Manuel Pires de Morais, que também já dever morrido não sei nada.

Mas, creio que vou arranjar uma bonita moldura para a fotografia do Francisco Manuel e vou continuar a olhar para o seu rosto algo judaico e rever nele a minha própria juventude.

As pagelas ou les images pieuses

2012-01-21T17:40:00.005Z

Ao longo deste blog tenho massacrado alguns dos meus seguidores menos dados à religião com registos do século XVIII, normalmente impressos em Portugal. Os registos como aqui se explicou comprovam o cumprimento de uma peregrinação, a visita a uma igreja ou ainda constituem o documento pelo qual a Igreja concedia indulgências aos féis, que rezassem não-sei-quantas avés-marias diante de uma qualquer Nossa Senhora.

O verso da pagela. Foi impressa em Paris por Felix

Mas para além dos registos, no século XIX, divulgaram-se as pagelas, pequenas folhas com imagens piedosas para inserir num missal, eventualmente como marcador de páginas. Estas pequenas estampas eram oferecidas em cerimónias religiosas como o baptismo, a primeira comunhão, a confirmação ou um enterro. No verso poderiam conter uma oração, um pensamento piedoso ou então um texto manuscrito pela família da criança ou defunto.

Maria Madalena da colecção do José Oliveira

As pagelas mais bonitas e procuradas vinham de Paris, onde existia uma pequena indústria destas Images pieuses. Vimos num post anterior como o editor L. Turgis tinha um negócio tão rentável, que abriu uma filial em Nova Iorque, para vender os seus sagrados corações de jesus e de maria, bem as como as madalenas arrependidas e outros santos aos católicos americanos e canadianos.

O verso da pagela da Madalena Penitente. Impressa ela editora francesa Turgis, mas na filial de Nova Iorque

A este propósito aproveito para apresentar aqui uma Madalena Arrependia, semelhante à do Manel, mas impressa em Nova Iorque, propriedade do nosso amigo José Oliveira.

Estes editores franceses fizeram trabalhos muito requintados, imprimiram imagens cortadas em ogivas sugerindo vitrais ou então com os cantos recortados num trabalho semelhante a uma preciosa renda.

Pagela com motivo ogival, sugerindo uma janela gótica com um vitral..

No nosso tempo, em que a maior ambição do homem parece ser possuir um i-pod ou um i-phone da Apple, estas images pieuses parecem-nos talvez pirosas, impregnadas de um certa pieguice. No entanto, quando abrimos os antigos missais encadernados a osso ou a madrepérola e nos caem estas pagelas, parece que por breves instantes sentimos o calor das mãos das nossas avós, bisavôs e trisavós.

Alexandria

2012-01-20T19:00:00.001Z

Alexandria é uma daquelas cidades míticas a que nunca fui, mas à qual já viajei vezes sem conta através dos livros. Fundada por Alexandre o Grande no Delta do Nilo, a cidade desde logo se assumiu como uma terra estrangeira no Egipto, habitada por gregos e judeus. Esta capital cosmopolita de ruas rectilíneas vai ser ao longo do primeiro milénio da sua existência berço de movimentos espirituais, que influenciaram decisivamente a civilização ocidental, como o neoplatonismo de Plotino e Hipácia. Aqui o antigo Testamento foi traduzido pela primeira vez do hebraico para o grego, por Fílon, um sábio judeu helenizado, que preparou o caminho para a conquista do mundo pelo cristianismo, uns séculos mais tardes. Nos finais do Império romano, Alexandria foi a cidade de Santa Catarina, que como vimos anteriormente, a tradição misturou com a figura de Hipácia e ainda de Clemente de Alexandria, um dos teólogos mais importantes do Cristianismo. Aliás, nos primeiros séculos da sua existência, a religião cristã contrói a sua teologia e a sua interpretação dos ensinamentos de Cristo a partir do neoplatonismo da escola de Alexandria.

Liz Taylor, a eterna Cleópatra

Alexandria é também Cleópatra, que nós imaginamos sempre com o rosto de Liz Taylor ou com o nariz que Uderzo lhe deu na banda desenhada Astérix e a Cleópatra. Mas para mim Alexandria é também o romance o Quarteto de Alexandria de Lawrence Durrell, um dos livros que marcou a minha passagem para uma visão adulta do mundo. Nesta obra, Alexandria é cenário de uma novela contada por 4 personagens diferentes e a mesma história é narrada de forma diferente por cada uma delas, que não só alteram a sequência cronológica, como os transformam os próprios acontecimentos. Neste livro desconcertante, aprendi, que a mesma realidade é representada de forma diferente por cada ser humano e que temos que ter cautela quando afirmamos que há uma única verdade e uma realidade possível de identificar e categorizar linearmente. Isto serviu-me para a vida, para a História ou para coisas mais simples como a faiança ou a gravura.

O farol que se vê aqui não é o original. O mítico farol caiu nos finais da Idade Média

Este meu fascínio por esta cidade, que já nem sequer existe, pois tudo foi inteiramente modernizado com torres de betão e o farol, a biblioteca ou o museu há muito que desapareceram, fez-me desde logo gostar desta gravura inglesa do século XIX, representado Alexandria e que mostro hoje.

The age we live in a history of the nineteenth century

Esta estampa, que pertence ao Manel, foi gravada e editada por J. Ramage e E. P. Brandard e em tempos fez parte de um livro, um manual de história inglês, intitulado The age we live in a history of the nineteenth century, from the peace of 1815 to the present time, publicado em 4 volumes pela W. Mackenzie de Londres.

A parte do livro de onde foi tirada a estampa

A gravura fazia parte do 4º volume, que saiu em1880 e era uma de muitas que ilustrava a obra do Reverendo James Taylor (1813-1892), uma história contemporânea do Séc. XIX. As estampas destes livros representam homens de estado da época e vistas sobre cidades do mundo, todas elas de muito boa qualidade, não fossem os ingleses os primeiros turistas do mundo e que se cedo se especializaram no desenho de paisagens e vistas de monumentos. Pessoalmente, gosto particularmente da imagem St. Petersburgo, vista como se tivéssemos num avião ou da cidade de Sebastopol, na Crimeia, onde umas poucas décadas antes da publicação deste livro, ingleses, franceses e russos tinham travado uma guerra sangrenta (enfim, o adjectivo é redundante, pois não serão sangrentas todas as guerras?).

Sebastopol na Crimeia

Como nem sequer dinheiro tenho para pagar bilhetes de avião em companhias de Low Cost, através das estampas, voltei hoje a Alexandria e ainda sobrevoei Sebastopol e St. Peterburgo.

St. Petersburgo como que vista do ar

Uma oficina anónima de barristas: ainda o Santo António de Lisboa

2012-01-12T23:31:00.004Z

Os blogs permitem às pessoas mais velhas como nós, que estão relativamente isoladas, encontrar outras pessoas com os mesmos interesses e partilhar informações e conhecimentos sobre arte, história ou natureza, que sozinhos nunca os conseguiríamos obter.

O Santo António da Colecção http://muraldaspetas.blogspot.com/. Está quase completo. Falta-lhe o menino Jesus, a mão e o respectivo atributo

Bem, todo este arrazoado, vem a propósito do Sto. António, muito mutilado, que publiquei aqui no passado mês de Novembro. Pois, nesse mesmo post, o ET, do Mural das Petas escreveu que no seu blog também tinha mostrado um santo António da sua colecção em tudo semelhante ao meu, só que quase completo.

Outro aspecto do Santo António da col. http://muraldaspetas.blogspot.com/: A pintura do Rosto do meu Santo António é denmelhor qualidade, mas trata-se sem dúvida de uma peça da mesma oficina.

Uns dias depois, este nosso amigo enviou-me também fotografias de outra peça de barro em muito mau estado, mas ainda com uma leitura suficientemente boa para ver que o Santo também era igual ao meu.

Finalmente, este amigo do http://muraldaspetas.blogspot.com/, teve ainda a amabilidade de copiar-me uma página do catálogo Santo António Devoção e Festa, exposição do Museu de arte Popular, com outro Santo António idêntico aos anteriores.

St. António reproduzido do catálogo Santo António Devoção e Festa. Também lhe falta o menino e o atributo

Em suma, em menos de uma semana, apareceram três imagens iguais à minha, número suficiente, para poder detectar a actividade de uma oficina de barristas do passado, talvez do século XVIII, que trabalhou a mesma imagem a partir de um mesmo molde e com pequenas diferenças ao nível da pintura. Enfim, estas oficinas tinham sempre um caracter familiar, onde trabalhavam, o pai, o filho, talvez um ou dois aprendizes e ainda a mulher e as filhas. Embora usassem moldes, como a pintura era manual, o trabalho nunca era exactamente igual e nessa imperfeição reside a originalidade e a graça de cada uma destas peças.

Infelizmente essa oficina não deixou marcas. Provavelmente essa família estaria mais preocupada em assegurar o seu sustento com a manufactura e venda destas imagens, do que em deixar uma marca para a posterioridade.

Telhas portuguesas com um símbolo do Islão

2012-01-11T00:40:00.003Z

Recentemente, conheci um dos seguidores deste blog, o Zé Júlio, um homem tão encantador como o seu blog dedicado a alfarrobeiras centenárias, muros de pedra, jardins mediterrânicos e casas em ruínas.

Uma das muitas coisas que se conversou foi sobre as telhas em antigas casas da zona da Redinha, em Pombal (e creio que em mais zonas do País) que apresentam de forma muito esquematizada a mão de Fátima. O símbolo foi pintado com os próprios dedos do oleiro que fez a telha.

A mão de Fátima é um amuleto usado em todo o mundo islâmico, cuja função é proteger as pessoas e as casas dos maus olhados e dos infortúnios. Representará a protecção de uma das mulheres mais consideradas de todo o Islão, Fátima (606-632), a filha preferida do profeta Maomé, que ganhou uma grande fama de santidade. De Fátima descendem também várias linhas dinásticas que governaram extensos reinos muçulmanos. A ela foi associado este símbolo, da mão, já anterior ao islamismo, provavelmente fenício e que representava a deusa Tanit, que afastava o mal com a sua mão.

Mão de Fátima em prata. Marrocos.

Apesar da ortodoxia oficial islâmica condenar os amuletos, este símbolo teve uma enorme difusão por todo o mundo árabe, foi adoptado pelos judeus sefarditas (os Judeus ibéricos) e chegou às terras da antiga Hispânia, após a invasão de 711.

O símbolo foi usado como em forma de jóia, azulejo e era pintado ou inciso em muros, sempre com a função de protecção.

Uma mão de Fátima numa rua de Lisboa

Após a expulsão dos mouros da Península Ibérica, este antiquíssimo símbolo sobreviveu e hoje passados uns bons seis séculos continua a ser utlizado pelas pessoas como amuleto, muito embora já desconheçam o seu significado original. Todos nós já vimos homens e mulheres com figas penduradas em colares ou pulseiras, que mais não são do que mãos de Fátima, ou já reparamos naqueles batentes em forma de mão, que encontramos em muitas casas portuguesas do século XIX e início do XX e que tem exactamente a função das mãos de Fátima, ou hamsa, proteger as casas contra os maus espíritos.

Mas se as figas ou os batentes são exemplos relativamente conhecidos desta tradição islâmica em Portugal, as telhas pintadas com mão de Fátima são uma coisa que pouca gente conhece. Contudo, este uso está também documentado em Espanha, na região da Sierra Segura, entre a Andalucia e a Macha e também na província de Jaen.

uma Mão de Fátima incisa numa telha de uma casa na Província de Jaen

Agradeço ao Manel os dados fornecidos sobre as telhas da zona de Pombal e desejo que a mão de Fátima nos proteja a todos da tempestade que se abate sobre Portugal

Alguns pensamentos acerca da pecadora Maria Madalena

2012-01-08T00:04:00.004Z

Toda a gente gosta da figura de Maria Madalena. A arte apresenta sempre esta figura dos Evangelhos, que conheceu os prazeres da vida e da carne, como uma bela jovem, de longos cabelos soltos e sumariamente vestida. Por isso mesmo, fiquei com pena, quando deixei escapar para o Manel este belo registo francês do Século XIX, representando Sta. Maria Madalena. Tinha-o visto na Feira-da-ladra, mas já tinha gasto muito dinheiro nesse dia e não a comprei. Claro, no fim-de-semana seguinte o Manel abarbatou-se com o registo e eu fiquei a suspirar pela bela Maria Madalena.

Este pequeno registo foi editado em Paris por L. Turgis (1828-1928), que foi no século XIX um dos mais célebres e populares impressores de imagens piedosas. Chegou a ter uma filial na América. Produzia não só os registos, como as pagelas, que se tornaram grande moda neste século. À semelhança dos registos, as pagelas apresentavam também um santinho, a virgem ou cenas da Vida de Cristo, mas no verso continham pequenas orações ou pensamentos piedosos e as pessoas ofereciam-nos por ocasião das primeiras comunhões, de casamentos ou funerais e eram depois eram guardados nos missais.

Georges La Tour. Madalena Penitente. Reparem que o espelho em vez de devolver a imagem da beleza de Madalena, reflecte a caveira, o cárcere da alma humana

No entanto, apesar de ter sido impressa no século XIX, esta estampa lembra mais os quadros do século XVII, designadamente uma das obras-primas da pintura mundial, a Madalena penitente de Georges La Tour. A santa aparece representada á luz de uma vela, meditativa, com um crânio reflectido no espelho. O que significa que a beleza que a jovem vê ao espelho é efémera e que a morte e o tempo levam tudo. O único caminho possível a este vazio é Cristo, que é representado pelo livro dos Evangelhos.

A Madalena de Josefa de Óbidos. Museu Nacional de Machado de Castro.

A nossa Josefa de Óbidos também pintou uma bela Maria Madalena à luz de uma candeia de azeite, mas acompanhada de outros dois atributos característicos da santa, as jóias e o frasco de perfume, as tais vaidades efémeras, que Madalena abandonou para seguir por uma vida espiritual mais cheia.

Sainte Marie Madeleine pénitente. Museu de Belas Artes de Nancy

Claro, outros artistas do passado aproveitaram o tema, para dar largas a sua sensualidade e por detrás do tema religioso, está a mais pura luxúria como esta Sainte Marie Madeleine pénitente de Claude Mellan, também do século XVII, que no seu tempo terá excitado a libido dos homens crentes e a imaginação das senhoras devotas.

Ao contrário do Dan Brown, do Código da Vinci, é-me indiferente que Madalena tenha dormido ou não com o Cristo. O que me interessa nesta história de Maria Madalena, além da arte bem entendido, é o episódio em que Cristo impede de apedrejarem a pecadora, o que veicula uma mensagem de perdão e tolerância, que poucas vezes foi ouvida ao longo da história, mas que em todo o caso se consolidou no Ocidente como um princípio moral, embora mais ou menos longínquo.

Há uma pequena capela em Ferreira do Alentejo, dedicada a Sta. Maria Madalena, cuja cúpula está cravejada de pedras e que é um dos monumentos mais singelos que conheço à tolerância deste preceito, que diz aquele que não tenha pecados atire a primeira pedra.

Capela de Sta. Maria Madalena. aquele que não tenha pecados que atire a primeira pedra (foto roubada em http://www.pbase.com/

Bule em black basalt

2012-01-05T23:27:00.001Z

O Manel comprou recentemente este bule, que apesar de lhe faltar a tampa não deixa de ser uma peça neoclássica muito elegante. É certamente inglesa, talvez datada logo do início do século XIX e é inspirada na célebre loiça black basalt, produzida a partir de 1767 pela Wedgwood.

O Black Basalt era um tipo de cerâmica que pretendia imitar o basalto preto, uma pedra muito usada na antiguidade, por exemplo, na escultura egípicia. A Wedgwood ao criar esta cerâmica preta colocava no mercado a preços acessíveis peças que só as grandes famílias aristocráticas possuíam nos seus gabinetes de curiosidades. E de facto, a Wedgwood teve imenso sucesso com o Black Basalt, nos finais do século XVIII, criando peças que sugeriam a arte egípcia, os vasos gregos e a arte da antiguidade no geral, aproveitando o crescente gosto à grega que invadia nesse período os salões europeus.

Urna da Wedgwood, Séc. XVIII, do Victoria & Albert Museum

Outras fábricas inglesas como Warburton and Adams manufactory, a Bradley & Co., a Humphrey Palmer, a Elijah Mayer & Son, a John and William Yates e a Leeds Pottery seguiram o exemplo da Wedgwood e nas primeiras décadas do Século XIX fizeram urnas, peças decorativas e utilitárias em black basalt, sempre inspirando-se na antiguidade.

Baker, um imitador da Wedgwood do início do séc. XIX, também do Victoria & Albert Museum

Aliás, os anos entre 1800-1815, são os picos da moda romana, grega e egípcia na Europa, com as senhoras vestindo-se como matronas romanas, as casas sendo decoradas em estilo pompeiano ou imperial e Napoleão voltando do Egipto, carregado de tesouros de arte do país dos Faraós.

A marca L

Estando apenas marcado com um L e não nos permitindo nenhuma identificação precisa, o bule do Manel terá talvez saído de umas dessas fábricas inglesas, que no início do séc. XIX copiaram o a louça basalto preto Wedgwood.

Pia de água-benta atribuída a Viana ou votos de boas festas

2011-12-24T00:43:00.005Z

Bem, nesta altura do ano, as caixas de correio electrónico estão atafulhadas de postais de boas festas, com pais natais a dançarem quizomba, pinheiros de natal a piscar com muita luzinha e muitas outras coisas do mesmo calibre. Para evitar essa poluição nas vossas caixas do correio e para desejar as boas festas aos seguidores deste blog, mostro-vos hoje a jóia da coroa das minhas faianças, uma pia de água-benta atribuída a Viana, provavelmente fabricada nas últimas décadas do século XVIII.

A cruz e os instrumentos da Paixão de Cristo

Demorei algum tempo a identificar esta pia de água-benta. Houve muitas fábricas de faiança na segunda metade do século XIX e no início do XIX a manufacturarem pias muito semelhantes a esta, como por exemplo Miragaia, no Porto.

Pia de água-benta miragaia do Museu Nacional de Soares dos Reis

Num catálogo de uma leiloeira, vi uma exactamente igual a minha, atribuída ao Rato, mas infelizmente perdi o rasto da publicação e não me lembro do número ou data. A Bica do Sapato e o Juncal também fizeram pias idênticas a esta.

Pia de água-benta da fábrica da Bica do Sapato. Museu Nacional de Arqueologia

Enfim, estas pias seriam peças que as fábricas faziam sair com grande êxito, nos finais do século XVIII, princípios do XIX, para satisfazer uma sociedade profundamente religiosa, que usava estes objectos em casa, colocando-os em pequenos oratórios ou maquinetas para as suas devoções domésticas. Aliás esta pia tanto foi usada, tirada e posta da parede, para ser enchida com água benta da Igreja, que acabou por cair e estilhaçar-se em dezenas de pedaços. Foi posteriormente toda colada usando um papel por detrás para dar solidez ao trabalho, mas que tapou a marca, se é que existiu alguma vez.

Um detalhe da decoração da minha pia

A decoração desta pia, é do tipo ruanesco, que foi um motivo usado por todas as fábricas de faiança desta época sem excepção. Portanto, não seria pela decoração que eu conseguiria identificar a minha peça.

Estampa 7 da Exposição de cerâmica das fábricas do distrito: duzentos anos de labor artístico. – Câmara Municipal de Viana do Castelo, 1970

Acabei por identifica-la por mero acaso, ao folhear o catálogo Exposição de cerâmica das fábricas do distrito: duzentos anos de labor artístico. – Câmara Municipal de Viana do Castelo, 1970. Na estampa sete, no conjunto de uma série de pias de água benta lá estava uma igualzinha á minha, atribuída a célebre Fábrica de Darque. A acreditar nesse livrinho, esta pia teria sido executada no 1º Período de laboração de Viana, 1774-1790/95, em que as peças apresentam uma grande influência da Louça de Ruão.

Desejo-vos boas festas, salpicando-vos com a água-benta desta pia da fábrica de Viana.

Uma arquitectura imaginária por Debrie

2011-12-22T23:10:00.004Z

Esta obra de Debrie é sem dúvida uma das estampas do Manel que eu mais gosto. Em dimensões muito reduzidas, o gravador francês apresenta uma praça com uma arquitectura imaginária, desenhada com rigor e minúcia que até nos espanta.

Para não variar, esta gravura foi retirada de um livro, as Memórias para a História de Portugal que compreende o governo del rey D. João I, da autoria de José António da Silva, mais propriamente do tomo II, publicado em 1731. Além destes dados, o Manel que é um cusca, ainda conseguiu descobrir a página de onde foi retirada a estampa, a 531.

A referida página 531 abria o Capítulo CIV, Memórias em que se referem as fábricas sagradas e profanas, que foram fundação Del Rei.

Isto trocado em miúdos, quer dizer que nesta parte do livro descrevia-se os monumentos e as obras mandadas erguer pelo Rei D. João I, o que justifica a escolha de Debrie de um tema arquitectural, só que para melhor traduzir o assunto do capítulo, desenhou edifícios em construção com andaimes postos, operários em azafama, carroças e gente a transportar volumes.

É certo que os edifícios são absolutamente clássicos, quase romanos que nada tem a ver com o tempo em que D. João I viveu, os finais da Idade Média, mas também pouco importava, na época de Guillaume François Laurent De Brié não havia grandes preocupações com o rigor na representação de cada período histórico. O que era considerado bonito no Século XVIII era a beleza e a monumentalidade dos edifícios da antiga Roma, que os artistas de toda a Europa desenhavam quando iam em peregrinação artística à cidade eterna. Esses pintores e desenhadores divulgavam as suas vistas de Roma Antiga por toda a Europa em forma de gravuras. Essas estampas ficaram conhecidas pelo nome italiano de vedutas, ou em português vistas e são as antepassadas dos postais modernos. O mais célebre desses artistas foi Giovanni Battista Piranesi,1720-1778, mas ainda antes dele, no século XVII, houve outros que delinearam vistas de antigos templos de Roma, em ruínas e que já tinham tornado as vedutas populares na Europa, como Alessandro Specci

Pont triomphal erigé par un Empereur Romain. Piranesi. Biblioteca Nacional. Reconstituição fantasiosa da Antiga Roma

Mas Piranesi desenhou como poucos a beleza e a poesia dos monumentos romanos em ruínas, mas fez mais do que isso, deu-se também ao trabalho de os representar reconstruídos, algumas vezes de forma plausível e outras vezes dando largas à sua imaginação, produzindo assim reconstituições históricas fantasiosas da Antiga Roma, que são muito mais assombrosas e de melhor qualidade, que os filmes de época que Hollywood fez nos anos 40 ou 50.

Uma reconstituição mais ou menos fantasiosa da antiga Roma por Piranesi

Esta gravura do artista francês De Brie, que se radicou em Portugal durante o reinado de João V, evoca de facto Piranesi e as suas antiguidades romanas reconstituídas.

A minúcia da estampa de debrie

Quem quiser saber mais sobre o Piranesi pode consultar a obra Giovanni Battista Piranesi: invenções, caprichos, arquirtecturas. – lisboa: IPPAR, 1993

Ecce Homo em terracota

2011-12-17T00:42:00.001Z

A nossa amiga, a seguidora misteriosa, a propósito do Santo António em barro que aqui apresentei, enviou-me a imagem de uma cabeça de um cristo em Terracota, que me deixou emocionado. Pedi-lhe autorização para falar desta peça da sua colecção aqui no blog, embora não soubesse nada sobre escultura em barro ou sobre o significado iconográfico da obra, pois há tantas e tantas representações de Cristo. Enfim, mais de metade da arte cristã ao longo de uns bons 18 ou 20 séculos anda à volta da figura do nazareno.

Tentei ler alguma coisa sobre a escultura de barro em Portugal, mas pouco ou nada encontrei. Houve uma grande escola de barristas em Alcobaça nos séculos XVII e XVIII, que floresceu com o patrocínio do mosteiro. O barro abundava naquela região e era mais barato que a madeira, para não falar da pedra. Para além disso, era fácil de trabalhar. Mas pouco mais encontrei que isto. A cabeça deste Cristo continuava a olhar para mim, com o sorriso enigmático de escultura arcaica grega, sem me revelar nada de onde tinha sido feita ou o que representava.

Intrigava-me a coroa de espinhos, com umas perfurações que pareciam feitas por uma broca, muito usada na escultura durante toda a antiguidade, o trépano, até que uma colega de emprego me chamou a atenção, dizendo-me que esses furinhos originalmente deveriam ter encaixados espinhos em madeira, que confeririam à coroa um ar absolutamente real.

Mas em todo o caso, continuava sem material para escrever fosse o que fosse no blog, até que na passada segunda-feira, fiz a uma visita guiada à exposição de escultura espanhola no Museu Nacional de Arte Antiga, Cuerpos de Dolor, e quando o conservador se deteve a falar diante de um busto lindíssimo de um Cristo, fez-se luz no meu espírito.

Ecce Homo de Pedro de Mena. Museo Nacional de Escultura, Valhadolid

Esta cabeça era certamente o fragmento de uma representação de Cristo, que ficou conhecida pela expressão latina Ecce homo e que em Porugal é vulgarmente denominada Senhor da Cana Verde. Segundo o Evangelho de S. João Ecce homo foram as palavras pronunciadas por Pôncio Pilatos, quando apresentou Jesus de Nazaré, flagelado, atado e com a coroa de espinhos perante a multidão hostil, para que esta tomasse a decisão final de o condenar ou não. Portanto, o tema Ecce homo representa sempre o Cristo em sofrimento. No entanto esta escultura da nossa amiga, mostra um Jesus, com um meio sorriso, talvez indulgente, como que estando a pensar, perdoai-lhe, pai.

Não sou católico, mas o valor moral do perdão que o Cristianismo introduziu na cultura ocidental sempre me pareceu altamente meritório. Desculpem-me as considerações morais, pois não são de e todo o objectivo deste blog, mas por vezes a arte sugestiona-nos tanto, que nos conduz a reflexões sobre a ética e a moral.

Os portos de mar segundo Claude Joseph Vernet

2011-12-15T01:56:00.004Z

A entrada do Porto do Quebec segundo Vernet

O Manel comprou esta gravura muito barata na feira de Estremoz, que representa a entrada do porto do Quebec, a célebre cidade do Canadá, onde se fala orgulhosamente o francês, apesar de dois séculos de dominação britânica. É certamente uma gravura do século XVIII e conforme se pode ler na legenda foi feita a partir de um quadro de Claude Joseph Vernet (1714-178) pintor, desenhador e gravador Francês.

Não consegui descortinar se foi próprio Vernet quem a gravou, já que ele exerceu também essa profissão, ou se foi o filho ou neto que mantiveram a mesma profissão do pai. O site oficial das dos Arquivos e Biliotecas do Governo do Canadá assinala esta estampa, e data-a de 1792, relacionando-a com o filho de Vernet, Antoine Charles Horace Vernet, que terá mandado executar a estampa a partir da obra do pai. Mas o registo não apresenta nenhuma imagem e não é claro na atribuição da obra.

Vue d'un port. museu do Louvre

Claude Joseph Vernet adorava pintar portos de mar e paisagens marítimas ao entardecer, à noite, ou em manhãs cobertas de neblina. O céu e todos os efeitos de luz e cor ocupavam sempre dois terços dos seus quadros. Havia sempre também personagens pitorescas aqui e ali.

La nuit ou le clair de la lune. Museu do Louvre

A gravura do Manel apresenta todas as características da obra de Claude Joseph Vernet. É uma paisagem marítima, captada em um dia enublado, com o céu em destaque e umas personagens pitorescas no cais. Julgo que uma delas é um turco, que ali está para dar a ideia do cosmopolitismo do porto.

O céu enublado típico de Vernet na gravura do Manel

O turco

Claude Joseph Vernet notabilizou-se sobretudo por ter executado uma encomenda de 24 telas dos principais portos de França para o Rei de França, Luís XV. Só se realizaram 15 telas que encontram-se no Louvre e no Museu da Marinha em França, mas a partir delas foram feitas muitas gravuras, que são hoje muito disputadas pelos coleccionadores. Algumas delas estiveram expostas na Gulbenkian, na mostra sobre artes decorativas francesas, O gosto à grega.

O Porto de Bordéus.

A encomenda real para pintar os principais portos de França foi feita pela pessoa de Abel-François Poisson de Vandières, o irmão da amante oficial de Luís XV, a célebre Madame de Pompadour. Nesta altura, esse homem já tinha uma influência enorme na corte francesa, conseguida através da sua irmã, a Maitresse en titre do monarca. Tal como Madame de Pompadour, Abel-François tinha um apurado sentido estético e é juntamente com a irmã um dos responsáveis pela definição do chamado estilo Luís XV.

O Marquês de Marigny, irmão de Madame de Pompadour. Aqui acompanhado pela mulher. Museu do Louvre

O nosso Claude Joseph Vernet, que casou com uma senhora inglesa, era muito apreciado pelo público britânico, que sempre gostou de paisagens marítimas enevoadas e também tem a ver com o nosso País. Com efeito, pintou em parceria com Louis-Michel van Loo, um retrato do marquês de Pombal, que é uma das imagens mais conhecidas de toda história de Portugal e se encontra no Museu da Cidade. Julgo que o Vernet terá pintado o porto e o Michel van Loo o retrato.

O Marquês de Pombal. Pintura de Vernet feita em parceria com Louis-Michel van Loo

Começámos no Quebec e acabámos em Lisboa.

Azeitoneira da John Meir & Son

2011-12-09T01:24:00.002Z

Embora goste de faiança inglesa, tenho pouca coisa. O espaço que disponho em casa é diminuto e tento-me mais pelas estampas religiosas do século XVIII que cabem em qualquer soleira de porta ou pela faiança portuguesa.

Mas por vezes, lá me deixo tentar por uma destas faianças da velha Albion, com os motivos em transfer way muito perfeitos. Foi o caso desta azeitoneira, que a comprei porque era baratinha, satisfez-me o desenho de consumo e arranjei-lhe sítio facilmente numa das minhas paredes superlotadas.

A perfeição da faiança inglesa

Segundo o site http://www.thepotteries.org/ esta pequena peça da John Meir & Son, foi fabricada provavelmente entre 1837 e 97.

O motivo decorativo chama-se Balmoral, o nome do castelo onde a família real britânica passa o Verão, desde os tempos da Rainha Victória. As famílias pequeno-burguesas da Inglaterra deveriam sentir que estavam a emprestar um toque de realeza ao seu jantar, quando serviam esta travessinha com alguma entrada, que certamente não eram azeitonas. Enfim, toda a gente sabe que a azeitona não faz parte da alimentação tradicional dos súbitos de sua Majestade Britânica. Azeitoneira foi o nome que demos em Portugal, a este tipo de travessinha.

Azeitoneira de Sacavém, 1856-1861

Aliás é muito curioso, que Sacavém fabricou uma azeitoneira com um formato em todo semelhante à que aqui é mostrada e que aparece reproduzida no livrinho Roteiro das Reservas. – Loures: Câmara Municipal, 2000, com o número de inventário 7. Essa azeitoneira de Sacavém é das mais antigas produções daquela fábrica (1856-1861) e é também mais umas das provas de como Sacavém seguiu muito de perto os modelos ingleses, logo desde o seu início.

A pequena Adelaide (1894-1969)

2011-12-07T20:07:00.002Z

Olho vezes repetidas para esta fotografia da minha avó. Tenho sempre a impressão que se trata de uma fotografia da minha mãe, vestida com trajes do início do século. Há semelhanças muito evidentes entre as duas. O mesmo cabelo claro, o mesmo queixo e a mesma expressão.

A minha avó teria nesta fotografia uns 10 anos. Era uma menina. A mesma idade que a minha filha Maria do Carmo tem agora e com a qual também se assemelha.

A minha avó morreu em 1969 e eu mal me recordo dela. A minha mãe, que está agora num lenta caminhada para a morte, chama muitas vezes pela mãe, que é esta menina da fotografia. A Carminho nem faz a menor ideia de quem foi esta avô Adelaide e já não se recorda da minha mãe como uma personalidade activa.

É a inevitável marcha do tempo. Ao fim de três gerações, avó, mãe, filho, a memória dos antepassados desaparece. Talvez seja por isso, que escrevo este blog, para tentar fixar as memórias familiares e travar o tempo, ainda que inutilmente.

Mas esta menina tão bonita, com um vestido janota e um grande laçarote, morta há muito tempo, continua ainda a exercer o seu fascínio. Foi certamente um dia especial na sua vida, pois tirar o retrato era uma coisa rara, naquele tempo, ainda para mais no Emílio Biel, o fotógrafo da Casa Real!

Julgo que se terá deslocado ao Porto, para fazer esta fotografia, pois o Emílio Biel não faria certamente as feiras no interior do País como os outros fotógrafos, tirando os retratos dos lavradores abastados. O Emílio Biel era dono de um atelier no Palácio do Conde do Bolhão, na Rua Formosa e era um fotógrafo de primeira categoria. Tinha vindo da Alemanha para Portugal em 1860, na comitiva do Rei D. Fernando e foi um tipo todo empreendedor, que se dedicou a tipografia, introduziu a luz eléctrica e o telefone no Porto e tinha o estúdio fotográfico mais célebre de todo o Norte de Portugal.

Não sei exactamente se a fotografia, foi o principal pretexto para a viagem da Maria Adelaide ao Porto, ou se veio acompanhar o pai nalguma viagem para tratar de assuntos oficiais.

Mas essa viagem de Vinhais para o Porto, terá ocorrido por volta de 1904 ou 1905 e terá sido feita de carruagem, ou mesmo a cavalo, pois o comboio só chegava até à Régua. Ficou talvez alojada nalgum daqueles pequenos hotéis, com elevador, que estavam a ser construídos no Porto e a menina deve ter sentido um misto de medo e excitação ao entrar pela primeira vez no ascensor. Aliás, conta-se na família, que o pai dela, uns anos antes, quando foi ao Porto e foi conduzido ao elevador pelo criado, se recusou a entrar, dizendo que não queria ficar com aquele quarto tão pequeno e sem janela.

Depois da excitação da viagem a cavalo, do hotel com elevador e da visita à grande cidade do Porto foi tirar esta fotografia ao Emílio Biel, com as suas melhores roupas e a imagem desse dia especial, em que nos fixa com os seus olhos azuis límpidos ficou imobilizada no pedaço de cartão duro, que aqui reproduzo.

Parfum Pompeia par L. T Piver, Paris

2011-12-03T23:56:00.005Z

Depois do post anterior, uma incursão pela figura de Domingos de Gusmão e da forma como dominou o diabo pelo poder da oração, apeteceu-me hoje um pouco de frivolidade e mostrar-vos esta embalagem francesa, que serviu para acondicionar o frasco de perfume Pompeia, uma fragância lançada em 1907 e que esteve muito na moda, no início do século XX.

Foi-me dada pela minha avó Mimi e não tem valor nenhum. É um pedaço de papelão com uma decoração vagamente inspirada nas pinturas murais da cidade romana de Pompeia, que apelava ao público feminino, dizendo-lhes que se comprassem aquele perfume, sentir-se-iam uma espécie de Messalinas, capazes de seduzir gladiadores musculosos nas ruas da Roma antiga.

A caixinha está muito mal tratada. Julgo eu que por uma ex-mulher-a-dias particularmente destrutiva, que a minha ex-mulher e eu tivemos há uns anos. Só não a desfez completamente em pedaços, porque a fechei numa gaveta qualquer.

Mas, apesar de não ter valor, gosto dela e da história que traz consigo. Esta fragância na época foi muito inovadora, pois foi das primeiras a conter uma substância química o Salicilato de amilo, que dava ao perfume, segundo a publicidade da época, o aroma de um trevo no calor de Agosto.

Foi fabricado pela mais antiga casa de perfumes de França, L.T. Piver, fundada em 1774, que conseguiu rapidamente tornar-se fornecedora oficial da corte de Luís XVI, sobreviver à Revolução francesa, ter como clientes os membros da Família Bonaparte e ainda figuras míticas da sociedade francesa do século XIX, como a grande Sarah Bernardt.

Sarah Bernardt por Leon Goupil, musée des beaux-arts de Dijon

A empresa ainda existe hoje, tem um site na internet http://www.piver.com/ e mais ainda continua a produzir o perfume Pompeia, embora, pelo que fui lendo aqui e ali, em blogues e fóruns é considerado em França, assim uma coisa antiquada, como para nós é a pasta medicinal Couto ou o sabonete das Taipas.

O diabo, a candeia e o santo

2011-12-01T15:36:00.008Z

Já há mais há muito mais que dez anos que tenho esta gravura. Sempre a achei encantadora, não só por causa da qualidade do desenho, mas pelo insólito do tema, pois nela podem-se ver dois diabos, um na janela e outro sentado na mesa, que certamente se preparam para fazer alguma ao pobre santo, que está no seu scriptorium a comentar algum livro piedoso ou a copiar algum autor clássico, latino ou grego. Realmente é raro aparecerem representações do diabo e achei que tinha que ter estes dois diabinhos a espreitar numa parede qualquer da minha sala, para contrabalançar os santos, cristos e virgens que sempre povoaram as minhas casas.

A moldura, em estilo D. Maria, comprada por três patacos na feira-da-Ladra. Os dourados velhos vão bem com os diabos que espreitam da estampa a minha casa

Embora a representação me intrigasse, na época, não me preocupei muito em saber muito sobre esta estampa. Sabia que seria certamente do século XVII, até por causa do tipo de letra patente nas legendas, que teria sido arrancada de um livro, mas limitava-me a gostar dela e era tudo.

O diabo entrando pela janela

Quando comecei a escrever o blog, achei que esta estampa era um tema estupendo, mas esbarrava com o significado do tema, que me era incompreensível. Um dia, quando à propósito da identificação de uma outra imagem religiosa, andei a estudar um pouco os trajes característicos de cada uma das ordens religiosas, percebi que este santo era um dominicano, pois trajava o hábito preto e branco, característico destes frades, traje esse que ficou associado para sempre à imagem da Inquisição. Enfim, como toda a gente sabe, o Santo Ofício foi exercido pelos dominicanos.

O hábito preto e branco dos Dominicanos

No entanto, tinha agora a dúvida, sobre qual dos santos dominicanos estava ali representado. Seria S. Tomás de Aquino? A imagem do santo estudioso no scriptorium medieval, representada na minha estampa estava de acordo com o perfil deste Santo medieval, que foi um intelectual de gabarito, num tempo de ignorância, em que muito pouca gente sabia ler e escrever. Conta-se que S. Tomás de Aquino espantava quem de perto convivia com ele, pois lia em silêncio, ao contrário dos outros monges, que liam soletrando em voz alta, como as crianças que andam escola primária.

Fiz uma série de pesquisas sobre a iconografia e a vida de S. Tomás de Aquino, mas na vida dele, dedicada ao estudo, à teologia e à filosofia não houve lugar para milagres estapafúrdios. Passei então à hipótese de se tratar de s. Domingos de Gusmão (1170-1221), o fundador da ordem Dominicana, que se desfez em cuidados para combater a heresia albigense em França. Andei a ler aqui e acolá, nas enciclopédias e no site oficial da ordem e não encontrei referência nenhuma a qualquer milagre que envolvesse o santo e em luta com diabo em forma de símio.

Mas, fiz tantas pesquisas no Google, pelos termos, Diabo, S. Domingos, candeia, escritos em português, inglês e francês, que lá consegui chegar à chave do mistério.

O diabo segurando a candeia

Trata.se de facto de uma representação de um milagre de S. Domingos de Gusmão, ao qual lhe apareceu o diabo a meio da noite em forma de macaco e o santo com o poder da oração, vergou o referido demónio, obrigando-o a segurar-lhe a candeia, para o alumiar enquanto trabalhava. Há um óleo de Pietro della Vecchia, datado de cerca de 1630, no Indianapolis Museum of Art, exactamente com este tema.

O Diabo segurando na candeia de s. Domingos de Gusmão. Pietro della Vecchia, ca.1630, no Indianapolis Museum of Art,

Este insólito milagre de S. Domingos de Gusmão não faz parte da biografia oficial do Santo. Representa antes uma das muitas lendas medievais que se contavam em torno dos santos e que durante a Contra-reforma, no século XVI, foram mais ou menos limpas dos relatos hagiográficos (hagio quer dizer santo), pois eram demasiado fantasiosas e impregnadas de um paganismo ancestral e a Igreja Católica, nessa época, queria surgir com uma imagem mais séria e racional, depois dos ataques feitos pelos protestantes ao paganismo mal disfarçado do culto dos santos. Ainda pensei que este milagre de S. Domingos tivesse sido retirado da célebre Lenda Dourada, de Jacopo de Varazze, uma compilação de narrativas hagiográficas da Idade Média, mas o nosso seguidor do blog http://mfls.blogs.sapo.pt/, consultou a obra e já me informou que não. Talvez esta iconografia tenha sido inspirada noutro relato medieval, mas essa pesquisa ficará para outra altura.

Nossa Senhora da Guia em terracota

2011-11-24T23:30:00.003Z

Um dos seguidores deste blog, o Eduardo, enviou-me uma imagem de uma peça em terracota, uma Nossa Senhora da Guia. Confesso que fiquei fascinado com a obra. Em primeiro lugar, porque gosto de arte sacra, em segundo pelo simbolismo algo pagão que comporta a Senhora da Guia e depois ainda pelo material, a terracota, que é um assunto sobre o qual há pouca coisa escrita.

Nossa Senhora da Guia. Registo do Museu dos Biscaínhos

Nossa Senhora da Guia, dos Navegantes ou da Estrela são diferentes nomes para a mesma forma de adorar Maria. São invocações a que os caminhantes, os marinheiros ou pastores recorrem, pois há uma associação entre estas senhoras e a Estrela da Manhã, Vénus, que serve de ponto de referência e orientação a todos os viajantes. Aliás muitas vezes a Senhora da Guia é representada com um bastão contendo uma estrela na ponta. Segundo Moisés do Espírito Santo a devoção a esta senhora mais não é do que uma reminiscência de um antigo culto pagão, a uma divindade feminina ancestral, ao qual a Deusa Vénus esteve obviamente associada.

A terracota parece ser um material de escultura pouco estudado. Encontrei apenas bibliografia sobre os presépios portugueses. Paralelamente fiz umas quantas pesquisas combinadas no Google, associando termos como imaginária, terracota, arte sacra e poucos ou nenhuns resultados obtive. Depois quando passei para a pesquisa por imagens, descubro nos sites dos museus brasileiros várias imagens em terracota, semelhantes a esta, com as bases mais largas que os corpos, parecendo suportar o peso do barro durante sua feitura. Todas elas estão atribuídas ao século XVII e foram identificadas como obras da autoria de dois frades beneditinos, Frei Agostinho da Piedade (c. de 1580-1661) e do seu discípulo, Frei Agostinho de Jesus(1600-1661). O primeiro nasceu ainda e viveu a sua juventude em Portugal, estando activo nas terras de Vera Cruz a partir de 1620, e o segundo, nado e criado no Brasil, foi um seu discípulo. Os dois formaram a primeira escola de imaginária religiosa no Brasil.

Nossa Senhora da Purificação. Frei Agostinho de Jesus. Séc. XVII, Museu de Arte Sacra de S. Paulo

Mas por que razão, a obra em terracota do nosso amigo teria semelhanças com obras de arte feitas no Brasil do noutro lado do atlântico?

Nossa Senhora da Conceição. Frei Agostinho de Jesus, Séc. XVII

Confesso que suspeitei desde logo que este tal Frei Agostinho da Piedade, sendo beneditino, tivesse sido formado no Mosteiro de Alcobaça, local onde se desenvolveu uma escola de escultura em barro muito célebre, cuja obra-prima é a representação da Morte de S. Bernardo. Um colega meu, o Anísio Franco, sugeriu-me então que consultasse o catálogo da exposição, Portugal e o mundo nos sécs. XVI e XVII. Lisboa: IMC, 2009. E de facto no catálogo desta exposição, que ficou mais conhecida pelo seu título inglês encompassing the globe, estão dois textos escritos por Nuno C. Senos, a propósito de duas esculturas em terracota atribuídas aos nossos amigos, os freis Agostinho da Piedade e Agostinho de Jesus. O autor destas entradas é de opinião que Frei Agostinho da Piedade esteve certamente exposto à tradição dos barristas de Alcobaça antes de partir para o Brasil.

Assim, já se aplicam as semelhanças entre a imagem do nosso amigo Eduardo e as peças das colecções Brasileiras. Ambas tem a marca da escola de Alcobaça e terão sido produzidas no século XVII

Azulejos do séc. XVIII: fragmentos de um floreiro

2011-11-21T22:26:00.002Z

Este mundo das coisas em segunda mão, das velharias, dos cacos e fragmentos antigos disto e daquilo é um jogo fascinante, em que aos poucos, com um bocadinho de pesquisa aqui e acolá, vamos juntando as peças, formando um todo e reconstituindo uma pequena história.

Foi o quer me aconteceu com os restos de um painel azulejar representando vasos floridos, que comprei ao preço da chamada uva mijona a uns ucranianos na Feira-da-Ladra. Na verdade só um deles era ucraniano, o outro era português, mas, o Manel e eu arranjámos-lhe esta espécie de alcunha e assim ficaram por muito tempo. Imagino que devem ter trabalhado na construção civil e depois acharam que poderiam fazer um dinheiro extra, vendendo na feira a tralha resultante das remodelações de apartamentos e da demolição de prédios antigos.

Fiquei desde logo encantando com estes 4 azulejos, que constituíram no passado dois floreiros diferentes e quando os coloquei na parede, imaginei sempre como seriam completos.

Painel azulejar do catálogo da Aqueduto, 21 de Março de 2007

Depois, há de um mês, ao desfolhar o catálogo da Leiloeira Aqueduto, de Março de 2007, passo os olhos por um painel de azulejos pombalino e sinto qualquer coisa familiar neles. Quando o observei melhor, descobri que os dois azulejos centrais são iguais ao meu. Tenho a parte central da taça, mas falta-me o pé e as asas e depois tenho início do ramo, mas falta a explosão de flores que dali jorra.

Os azulejos que possuo marcados a preto

O Painel que esteve à venda na Aqueduto, só tinha um floreiro grande, mas este motivo poderia ser repetido vezes sem conta, conforme se pode ver na pequena montagem que fiz, uma modesta demonstração das variadíssimas combinações diferentes possíveis de fazer entre os vários padrões de azulejos.

Pequena montagem feita a partir do painel da leiloeira Aqueduto, para dar uma ideia do conjunto do qual os meus 4 azulejos terão feito parte.

Fiquei muito contente com a descoberta e agora todas as noites, para esquecer a crise miserável em que nos encontramos, antes de deitar olho para os meus azulejos e consolo-me com a visão de um painel completo e perfeito, do qual um dia eles fizeram parte

Estampa do século XVII: D. Fernando I, Rei de Portugal

2011-11-19T02:10:00.007Z

Mesmo muito antigas, as gravuras continuam-se a comprar baratas. Com moldura e tudo, esta custou-me tuta-e-meia, numa feirante, que em tempos foi minha colega de trabalho na Universidade Católica. Naquela época, era muito certinha a vestir, mas deve-se ter fartado de viver em frente a um computador, atender chamadas, a trabalhar das 9 às 6 horas e por consequência resolveu virar feirante.

Comprei esta estampa, porque há tinha três gravuras que herdei, representando os reis de Portugal. Faziam parte de uma colecção maior, que se encontrava no Solar dos Montalvões, em Outeiro Seco e que foi repartida pelos vários herdeiros. Portanto, tentei no fundo, de alguma forma reconstituir um pouco dessa colecção.

Posteriormente à compra, limitei-me a mandar arranjar um passe-partout aceitável para esta estampa e pregar uns cantos de metal dourado na moldura e coloca-la junto aos Reis de Portugal, que vieram de Outeiro Seco.

Depois há uns tempos, lembrei-me de procurar saber mais sobre esta estampa, isto é, de que livro tinha sido arrancada, como já é habitual.

Fiz uma pesquisa pelas primeiras palavras da legenda Ferrandvs Portvgalliae Rex IX. vixit ann. XLIV. obiit a.o MCCCLXXXIIIb e em menos de 3 minutos estava no site da Biblioteca Nacional Digital, descobrindo a que livro pertenceu esta estampa.

O exemplar da Biblioteca Nacional

A gravura fazia parte da obra Philippus prudens Caroli V. Imp. Filius Lusitanae Algarbiae, Indiae, Brasiliae legitimus rex demonstratus, que foi impressa em Antuérpia, na officina Plantiniana em 1639. O livro foi escrito por um tal Senhor Joanne Caramuel Lobkowitz, que era um homem completíssimo, matemático, escritor, filósofo e também historiador e é basicamente um ensaio para justificar a legitimidade de Filipe II em ocupar o trono português. Por isso, a obra apresenta uma galeria de todos os reis de Portugal, do qual Filipe II é o corolário lógico e legítimo. Descobri depois que esta publicação seiscentista se encontra integralmente digitalizada na Biblioteca Nacional de lisboa e é um encanto. Podereis desfolha-la em http://purl.pt/14358/1/index.html

Foi ilustrada por bons gravadores e artistas flamengos da época. A Flandres, que corresponde grosso modo a actual Bélgica, pertencia à Espanha e os filipes não pouparam dinheiro em artistas para embelezar este libelo, que justificava perante todos, que o reino de Portugal lhes pertencia por direito.

O frontispício da obra

O Frontispício é magnifico e está assinado por Erasmus Quellinus II (1607-1678), um pintor flamengo que trabalhou com Rubens.

Natureza morta de Eramus Quellinus

Mas o que é mais curioso, é que este retrato de D. Fernando é aproveitado de outra obra mais antiga, Anacephalaeoses id est, summa capita actorum Regum Lusitaniae do Padre António Vasconcelos, também impressa na Flandres, em 1621.

Os desenhos das gravuras da Anacephalaeoses são da autoria de outro artista flamengo, Cornelis Galle (1576-1650) e o Erasmus Quellinus limitou-se retoca-los. No caso desta estampa, a diferença entre as duas versões é o nome do Rei, que nesta versão de Quellinus está FERRANVUS em vez de Ferdinandus.

Este Senhor Galle foi um gravador e um artista talentoso, que trazia atrás de si a tradição de uma família de gravadores. Viajou para Itália onde tomou conhecimento das obras de Raphaël, Ticiano, Guido Reni e das quais executou inúmeras gravuras, mas celebrizou-se sobretudo como gravador de obras de Rubens.

Judite e Holofernes de Rubens por Galle

Aliás os dois artistas que participaram nesta obra estão os dois à sombra de Rubens, por assim dizer.

É curioso, que quando comprei esta estampas por meia dúzia de euros, não imaginei toda a história que carrega esta simples folha de papel.

Fragmento de um Santo António de Lisboa

2011-11-17T00:31:00.002Z

Na minha casa povoada de cristos, virgens, santos e estampas devotas, fazia falta um Santo António. É certo que tenho uma estampa onde figura o Santo António, que se venera na Sé de Coimbra, mas não é a mesma coisa que o verdadeiro Santo António de Lisboa. O resto do mundo venera-o como Santo António de Pádua, um homem que foi doutor da Igreja, mas nós em Portugal, transformamo-lo num santo popular, afectuoso e até casamenteiro, embora essas características pouco ou nada tem a ver com o verdadeiro Fernando de Bulhões, que era um erudito.

Reparem no furinho do livro que servia paara encaixar o Menino Jesus

O Prof. Hermano Saraiva pensa que a tradição confundiu este culto com o de S. Gonçalo de Amarante, que era realmente um santo popular. E embora seja um leigo nesta matéria, não me custa nada acredita-lo, pois sei que é muito comum a devoção popular confundir e juntar dois cultos, como por exemplo o de Sta. Maria Madalena, a Arrependida, com o de Sta. Maria, a Egipcíaca, outra rapariga arrependida dos pecados da carne, que viveu no tempo em que estes pecados atormentam as mulheres e os homens.

Mas, há demasiada literatura escrita sobre o Santo António de Lisboa para me perder nestas questões de como os portugueses transformaram um homem culto, num santo milagreiro e casamenteiro. Na realidade, o que vos queria contar é que consegui comprar um Santo António na feira-da-ladra, no passado Sábado. É certo, que é apenas um fragmento de uma estatueta, mas é uma seguramente uma peça do século XVIII. Encontrei no catálogo António Capucho: retrato do Homem Através da Colecção. Lisboa: Civilização, 2005 peças muito semelhantes a este meu santo em terracota e datadas do século XVIII.

Peças da da antiga colecção António Capucho

Outras peças da antiga col. António Capucho

O meu santo está muito partido, mas tem uma expressão amável e uma decoração simples, mas elegante com uns dourados aqui e acolá, no hábito franciscano.

No livro, que representa o Evangelho, apresenta um furinho, que serviria para colocar o Menino Jesus. Segundo uma tradição antiga, certa vez, num albergue onde se acolheu para passar a noite, Santo António foi visto pelo estalageiro com o menino Jesus nos braços e é nesta lenda que assenta a esta sua iconografia tradicional.

A cabeça do santo apresenta também um orifício na cabeça, que serviria para encaixar um resplendor em prata, que ainda hei-de comprar um quando estiver mais abonado de dinheiro. Na outra mão, o Santo teria uma açucena, a flor que simboliza a pureza, mas essa terá sido a primeira a partir-se.

As Açucenas no Jardim do Manel

Esta pequena estatueta, por estar partida, permite também observar uma técnica muito antiga, da terracota. Foi ocada para permitir que no momento da cozedura não se partisse.

Pronto, já vos contei tudo do meu pequeno prazer deste Sábado. E tudo apenas por sete Euros.

O Santo António de Lisboa e os seus companheiros

Mais sobre esta peça

Azulejos na Rua do Benformoso

2011-11-10T23:46:00.001Z

A Rua do Benformoso é um sítio complicado. Mete um certo receio a quem vem de fora. Começa no Martim Moniz e termina no Largo do Intendente, zona de prostituição muito miserável. Há uns anos, numa noite qualquer, o Manel e eu andávamos a vaguear ao acaso pelo centro da cidade e quando nos aproximámos do Benformoso, alguém nos avisou para não irmos mais além. Julgo eu que até se nos dirigiu em inglês, pensando que eramos turistas,

No entanto durante o dia não é assim tão assustador. Costumava fazer essa rua para ir do Martim Moniz até ao Largo do Intendente, onde era o meu Centro de Saúde. Naquela Rua da Mouraria, sentimo-nos estrangeiros, porque ali ninguém fala português. Todas as lojas e casas estão ocupadas por chineses, indianos, nepaleses, senegaleses e gentes do Bangladesh. Até há uma mesquita no primeiro andar de uma daquelas casinhas. No fundo, o Islão voltou a ocupar um espaço que lhe pertenceu durante muito tempo.

Aquelas pessoas que por ali circulam e trabalham causam-nos estranheza. Vêem-se muitas mulheres inteiramente veladas como nos países muçulmanos mais conservadores e e aqueles panejamentos todos até são elegantes.

O mais antigo prédio de rendimento de Lisboa

Mas além das pessoas, os edifícios de arquitectura popular Lisboeta são muito interessantes. Há nessa rua uma casa anterior ao terramoto, que se julga ser o mais antigo prédio de rendimentos de Lisboa

Um padrão incomum

E depois há a azulejaria absolutamente fantástica e invulgar. Descobri um prédio revestido com padrão de xadrez muito incomum. Nunca tinha visto nada assim.

Mais adiante outro prédio com um padrão esponjado e um friso, com uma espécie de gregas, também muito original.

São prédios aparentemente modestos, mas bons exemplos de azulejaria do século XIX e tem a graça de estarem num conjunto urbano ainda coerente.

Vale a pena ir à Rua do Benformoso ver as mulheres veladas da Ásia e os azulejos portugueses. A mistura nem fica mal.

No céu da minha rua

2011-11-08T00:53:00.002Z

Quando se mora na velha Lisboa, os fados de Amália Rodrigues soam de forma diferente do que num ambiente impessoal de uma grande urbanização dos anos 70 ou 80. Muitas das letras só se tornam realmente compreensíveis quando vamos comprar pão à rua do Capelão e na padaria está ao nosso lado uma velha prostituta, que recorda a Rosa Maria, a rosa já desflorada, que se ajoelha e reza no dia da procissão da Senhora da Saúde.

O céu da minha rua não chama, nem prende as atenções

Também da janela da frente minha casa vejo todos os dias um bocadinho de um fado da Amália. É uma rua muito estreita, sem sol, onde as pessoas vivem como numa colmeia. À semelhança do fado da Amália, os telhados abraçam-se fraternais e não deixam passar a o sol, nem o luar. Mal tal como na letra do fado, o sol não nega o troco lá em baixo a quem o estima, e quando desvio os olhos lá de baixo, da rua apertada e pouso o olhar em frente, surge-me o tejo em todo o seu esplendor, que todos os dias me devolve uma cor diferente. E essa vista reconcilia-me com o meu bairro barulhento, sujo e degradado e identifica-me com a minha cidade e o meu País.

Deixo-vos com o céu da minha rua por Amália Rodrigues:

No céu da minha rua

Da Alfama não chama,

Nem prende as intenções.

Às vezes nem a lua

Lá mora, embora

Lá chegue em seus clarões

Mutilados a telhados

Que se abraçam fraternais

E o céu da minha rua

recua, a lua

Limita-se aos beirais

Com Alfama céu não rima

Porque sempre o céu é pouco

Quando olhamos lá pra cima.

Mas o céu não nega o troco

Cá embaixo a quem se estima

Vai daí ser voz corrente

Que em Alfama toda a gente

Traz o céu no coração

É feliz por natureza

Ninguém pede mais riqueza

Que saúde, amor e pão!

Verseuse Vieux Paris

2011-11-03T17:16:00.002Z

Em época de crise não há como a imagem do luxo dos dourados da porcelana e dos tecidos ricos para nos animar a alma, que tudo à nossa volta insiste em desanimar. Por isso, para que esqueçam esta crise pirosa, apresento-vos esta cafeteira de porcelana, que tenho agora praticamente a certeza ser uma produção Vieux Paris.

Uma Cafeteira Vieux Paris encontrada à venda num site de leilões on-line

Já tinha mostrado aqui no blog, este objecto, que nós designamos normalmente por cafeteira e que em França se conhece por Verseuse. Na altura, cheguei a pensar que se tratasse de porcelana russa, pois tinha visto na montra de um antiquário em Benfica um conjunto muito semelhante, atribuído pela leiloeira onde foi comprado, a uma qualquer fábrica de porcelana russa. Sabia que em St. Petersburgo existia uma manufactura de porcelana desde o século XVIII, que produziu peças de uma qualidade excelente e que essa fábrica sobreviveu durante período comunista, nacionalizada bem entendido. No entanto, causou-me uma certa estranheza a existência de peças russas em Portugal. Nunca foi um país com o qual mantivéssemos relações privilegiadas de comércio, como aquelas que experimentámos com a Inglaterra, a França, a Flandres, a Holanda ou a Itália. Depois, um dos seguidores colocou-me a hipótese de se tratar de uma porcelana Vieux Paris e uns amigos franceses foram da mesma opinião.

Outra Verseuse Vieux Paris. Reparem na asa, no bico e no formato em geral, que são semelhantes à minha cafeteira

Fiz uma série de pesquisas na net e encontrei uma série de cafeteiras nos sites franceses de leilões e antiquários muito idênticas à minha peça, bem como no Museu de Dijon. Todas elas são identificadas como Vieux Paris e datadas das primeiras décadas do século XIX, isto é do período Império (até 1815) e Restauração (até 1824). Julgo até que as peças que vi expostas na montra do antiquário também eram Vieux Paris.

Um serviço Vieux Paris com os característicos brancos opalinos e o dourados

Por outro lado a minha cafeteira ou Verseuse evidencia o estilo característico da porcelana de Paris daquela época, um branco puro, opalino, que quase recorda o vidro e a típica decoração a dourado. Não está marcada na base, o que torna quase impossível descobrir quem foi o seu fabricante, pois em Paris e na sua região existiam muitas casas que produziam boa porcelana e se copiavam umas às outras sem qualquer pejo. Mais ainda, todas elas tinham por modelo Sêvres e as suas produções luxuosas. Algumas dessas casas compravam a porcelana já cozida a outros fabricantes e limitavam-se a pinta-la. Muitas vezes as peças não eram marcadas. Portanto as identificações da porcelana Vieux Paris são quase tão complicadas como as da faiança portuguesas.

O tardoz de uma Cafeteira Vieux Paris, tirada de um site de antiguidades

O tardoz da minha cafeteira

Depois destas pesquisas estou seguro que a minha cafeteira é porcelana Vieux Paris, mas mesmo assim, sinto sempre algumas reservas, pois como já aqui referi em outros posts, as fábricas de porcelana europeia tomavam por modelo a porcelana francesa e ainda há uns tempos no site dum antiquário americano, John Atzbach, que se especializou na venda de objectos relacionados com a família real russa encontrei uma cafeteira que poderia bem ser francesa e com um formato semelhante à minha.

Cafeteira russa à venda no John Atzbach

Um contador ao gosto do século XVII

2011-11-01T00:52:00.005Z

Esta peça pertencente ao Manel é um contador e é um dos móveis emblemáticos da originalidade, que o mobiliário português alcançou no século XVII, diferenciando-o dos congéneres europeus.

Contador holandês da Casa Museu Anastácio Gonçalves

Nos Países Baixos e na Flandres também fabricaram contadores pintados muito bonitos. Em França, os marceneiros executaram os cabinets e os seus colegas espanhóis, os bargueños, móveis equivalentes ao contador.

Gabinet do Musée de Dijon

Bargueño do Palácio Nacional de Sintra

Mas os contadores portugueses, embora tenham adoptado a moda dos torneados holandeses, distinguem-se dos contadores europeus, em primeiro lugar porque não tem portas e depois porque são sempre feitos em madeira escura, o pau-santo, que vinha do Brasil.

As cores escuras do pau-santo a contrastar com as ferragens douradas.

São decorados com ferragens douradas em forma de filigrana, uma influência da Índia, que aplicados no pau-santo, uma madeira muito escura, fazem um contraste que é exclusivamente português. Um contador português não se confunde com contadores franceses, espanhóis, holandeses ou alemães. Aliás esta originalidade estende-se a todo o mobiliário português século XVII, de tal forma que o historiador de arte americano Robert Smith designou o mobiliário desse período como o estilo nacional português.

As ferragens douradas recortadas

A singularidade deste estilo do século XVII é sem dúvida consequência das influências exóticas recebidas em Portugal por via dos descobrimentos portugueses

Os contadores com a forma que vemos nesta peça do Manel foram manufacturados em Portugal a partir da segunda metade do século XVII e pelo século XVIII fora. Posteriormente, nos finais do século XIX, terá havido um revivalismo deste mobiliário seiscentista e tornou-se outra vez moda mobilar escritórios ou salas de jantar à moda do Século XVII. O contador do Manel deve ser um exemplar dos finais do século XIX, feito ao gosto da segunda metade de seiscentos.

O Saial com um anjinho e as pernas com as chamadas bolachas

O Contador como o nome indica é um móvel destinado a servir a actividade de contar. Consequentemente, apresenta muitas gavetinhas, que serviam para guardar dinheiro, valores ou documentos comprovativos de receita e despesa, notas de dívida e outros documentos de contas.

O sistema de gavetas

Este contador do Manel é chapeado a pau-santo, apresentado-se a estrutura do móvel e as gavetas em outra madeira. Sendo umamaterial muito duro, difícil de colar ou fazer malhetes com ele, o pau-santo é normalmente usado em forma de chapas, revestindo outra madeira que serve de esqueleto. O chapeado distingue-se do folheado por ser mais espesso do que as simples folhas.

Os típicos tremidos do contador português

Este contador tem também uma particularidade curiosa. Pertenceu em tempos a um ramo da família Montalvão, os descendentes do General Celestino Santos Silva, que estiveram ligados a Timor e a Macau. Depois, da morte da última proprietária foi parar a uma casa de velharias próxima ao apartamento do Manel, que o comprou e está agora na sua casa do Alentejo.

Para quem quiser saber mais, recomendo a leitura da obra Mobiliário português: roteiro: Museu Nacional de Arte Antiga. Lisboa: IMC, 2000.

Bandeira, Fervença e Afurada

2011-10-27T23:50:00.009+01:00

Conforme prometido volto hoje ao Prato pertencente ao Manel, aquele que tem um motivo bonito, muito colorido, que para uns serão borboletas ou libelinhas, ou para outros, uns pavõezinhos andando em círculo. Mas, provavelmente a Maria Andrade, terá razão e representarão uns botões envoltos por pequenas folhas.

No post em que tratei deste prato, tentei compara-lo com um prato atribuído a Miragaia, mas a Seguidora Misteriosa enviou a imagem de um prato da sua colecção, com os mesmo motivos decorativos, mas com uma imagem central, representando algum malfeitor conhecido no século XIX, o que me estragou o esquema todo de aproximar este prato da produção Miragaia. Com efeito, a faiança da seguidora misteriosa recorda mais aquelas peças da Fábrica da Bandeira, representado figuras da época, como a Maria da fonte, o D. Miguel ou os Meninos Gordos. Depois para baralhar mais a coisa o Joaquim Malvar enviou um prato da sua colecção também com uma variante deste motivo do botão, só que atribuído a Fervença

Com esta confusão toda, resolvi parar, ler mais um pouco e aproveitar para consultar os catálogos da Colecção António Capucho e Os Meninos gordos : contar uma história através da faiança, este último título da uma sugestão da Maria Andrade.

O resultado desta pequena reflexão, que não pretende de todo ser um juízo final é o seguinte:

Sempre achei que este prato do Manel, que tem uma faiança muito brilhante, um colorido vivo e uma decoração que eu diria jocosa, me recorda um prato lindíssimo da colecção António Capucho, representando uma cobra.

Prato Bandeira da antiga Colecção António Capucho

Esta peça está atribuída a Bandeira e aparece reproduzida na obra António Capucho: retrato do Homem Através da Colecção. Lisboa: Civilização, 2005. A fábrica da Bandeira situava-se em Vila Nova de Gaia e terá estado activa entre 1840 e o início do século XX-

O prato da Seguidora Misteriosa

O motivo do botão de flor do prato do Manel encontra-se no prato da seguidora misteriosa. Contudo o brilho da faiança é tão diferente entre as duas peças. Uma consulta ao catálogo Os Meninos gordos : contar uma história através da faiança, de Isabel Maria Fernandes deu-me uma razão para esta diferença de brilho.

Prato Fervença de Colecção Particular

Provavelmente o prato da Seguidora Misteriosa será de uma fábrica diferente, Fervença, conforme se pode pela imagem de um prato de uma colecção particular, constante no referido catálogo e atribuído aquela fábrica. A Fábrica da Fervença funcionou em Gaia, mais ou menos entre 1824 e 1860.

Depois aparece o prato do Joaquim Malvar, que ele tem como Fervença e que apresenta igualmente estes botões florais, só que maiores. No mesmo catálogo dos meninos gordos, descobri um prato com algumas semelhanças a este, mas identificado como uma peça feita pela Fábrica da Afurada, que laborou entre 1830 e 1860, na localidade do mesmo nome e que é mesmo ali ao lado de Vila Nova de Gaia.

Prato do Museu Municipal de Viana do Castelo, atribuído à Fábrica da Afurada

Enfim, isto é só um esboço para tentar arrumar pouco as ideia`s, que foram surgindo acerca de um motivo floral, que várias fábricas terão usado. Amanhã, talvez tenha que rever novamente todas as ideias feitas.

A Vista Alegre e o Vieux Paris

2011-10-25T00:33:00.003+01:00

A última aquisição que quase me fez esquecer o roubo dos subsídios de férias e Natal

A semana passada comprei mais uma peça do serviço daquela cafeteira, com florinhas, que mostrei aqui recentemente. É uma chávena de chá e portanto a cafeteira será afinal uma leiteira. Foi muito barata, pois está partida e colada, mas fiquei muito feliz na mesma e até me esqueci por uns momentos dos subsídios de Natal e Férias, que me roubaram.

Depois ao longo desta semana andei a vaguear pelos sites franceses, a entrar nas páginas dos antiquários, dos brocanteurs (casas de velharias) e nas enchéres (os leilões). Estive a fazer umas pesquisas sobre Porcelana de Paris, pois suspeito que uma outra cafeteira que comprei há uns tempos será uma peça Vieux Paris e queria confirmar com provas essa suspeitas.

No meio dessas navegações todas, consegui confirmar outra suspeita que também já há muito que alimentava. A Vista Alegre na sua fase inicial seguiu muito de perto os modelos da porcelana de Paris. Uns amigos franceses, que se interessam também por velharias e loiças já me tinham alertado para a semelhança entre os formatos e as decorações florais da Vista Alegre e as produções do chamado Vieux Paris

O serviço de chá Vieux Paris

E de facto num site de antiguidades o http://www.proantic.com descobri um serviço de chá decorado com umas florinhas muito idênticas às minhas peças da Vista Alegre. Há apenas aqui e ali umas diferenças, como as asas das chávenas, pois as francesas fazem um caracol mais acentuado no topo. Mas num primeiro olhar, é quase difícil dizer o que português e o que é francês.

A chávena Vieux Paris

A chávena VA

Para quem não saiba, a chamada Porcelana de Paris ou Vieux Paris, não corresponde a única marca específica. É uma designação genérica que cobre a produção de uma série de fabricantes e decoradores de porcelana estabelecidos em Paris, entre os finais do XVIII e a primeira metade do século XIX. Essas casas tanto podiam fabricar a porcelana como comprar peças em branco, normalmente em Limoges e pinta-las depois.

A Vista Alegre inspirou-se muito directamente nos motivos florais e nas formas do Vieux Paris, o que não era nada de espantar, pois a cidade da luz era o centro europeu de todas as modas, que eram copiadas sem complexos de Lisboa a St. Petersburgo.

o número da chávena

Também a Vista Alegre parece ter herdado uma das características da produção do Vieux Paris, o sistema de numeração, que cada artificie tinha para marcar as suas peças. Afirmo isto baseado na observação que fiz das 3 peças que tenho, deste serviço, a chávena, o pires e a cafeteira. A chávena apresenta no reverso o número 7, o pires o nº 8 e a cafeteira o 18. Estes números não se podem reportar à decoração, pois ela é sempre a mesma. Ao molde e ao tempo de cozedura também não, porque andei a espiolhar o verso das chávenas, que deixei na loja e os números eram todos diferentes. Portanto só resta a possibilidade de estes números serem uma espécie de assinatura, que os artificies deixavam nas suas obras, como forma de controlarem o número de peças produzidas e de os seus superiores puderem identificar pelo número, quais eram os trabalhadores virtuosos e quais eram os mais trapalhões.

o número da cafeteira

Mais alguma coisa sobre a Infanta Isabel Luisa Josefa

2011-10-20T23:31:00.004+01:00

Isabel Luisa Josefa. Pormenor do frontispício do II volume da Alma Instruída do Padre Manuel Fernandes, de 1690

As estampas e os livros antigos são charadas fascinantes, que quando se começam a decifrar, tornam-se caminhos muito empolgantes, com pequenas metas vencidas, que constituem vitórias vividas em silêncio e que podemos partilhar com poucas pessoas.

Talvez porque ainda assim temos sempre necessidade de contar aos outros essas vitórias discretas e os pensamentos, que nos ocupam quando viajamos de metro ou cozinhamos, estou outra vez a escrever acerca daquilo que descobri sobre Princesa Isabel Luisa Josefa.

Isabel Luisa Josefa. óleo do Museu Nacional dos Coches, que esteve atribuído a Josefa de Óbidos.

Em primeiro lugar descobri que a minha estampa de 1690, gravada por Gérard Edelinck e desenhada por Claude Guy Hallé e Jerome Trudon foi executada a partir de um retrato da princesa, hoje existente no Museu Nacional dos Coches. As semelhanças são por demais evidentes entre a figura da minha estampa e senhora representada nesta pintura, obra que por acaso esteve muitos anos atribuída a Josefa de Óbidos. De facto, a Infanta era uma mulher realmente bonita, mesmo para os nossos cânones actuais de beleza, que mudaram muito desde o século XVII para cá

Isabel Luisa Josefa. frontispício do III vol. da Alma instruída, de 1699. Gravura de Nicolas Bazin

Depois, apos muitas pesquisas no matriz net, a base dos museus nacionais, descobri no Museu de Lamego a estampa, que ornamentava o terceiro volume da Alma instruída do Padre Manuel Fernandes, publicado em 1699. Trata-se de uma gravura representando a princesa da Beira deitada num leito de dossel, rodeada por três anjinhos e cujo significado me escapa um bocado. O anjinho segurando a lisonja com a cara escondida e o segundo anjinho apontando para o céu, sugerem-me qualquer alegoria à sua morte, mas não estou seguro.

A gravura, foi feita por um tal Bazin, que descobri tratar-se de Nicolas Bazin (1633 - 1710), que exerceu a sua actividade de gravador em Paris e que se especializou em cenas religiosas e retratos, como este da Princesa da Beira ou o que vemos aqui, representando a rainha Maria Teresa, mulher de Luís XIV, pertencente ao Museum of Fine Arts, Boston

A rainha Maria Teresa, mulher de Luís XIV. Gravura por Nicolas Bazin

Falta-me agora descobrir a estampa, que servia de frontispício ao primeiro volume da Alma instruída e que também representava D. Isabel Luisa Josefa.

Mais sobre este assunto

Vaso de Jardim oitocentista

2011-10-18T00:55:00.002+01:00

Houve uma época em que os jardins tinham lagos, roseirais, buxos, pérgolas e caminhos, ornamentados aqui e ali com estátuas e vasos. As grandes famílias burguesas de oitocentos mandavam construir jardins à semelhança das casas aristocráticas do século anterior, com canteiros geométricos à francesa, ou então ainda segundo a nova moda do romantismo, com os caminhos a cruzarem-se fazendo um “8”, os chamados jardins em forma de biscoito. Para decorar os caminhos desses parques usavam estátuas, vasos e urnas, mas em faiança, que eram réplicas económicas das peças em pedra usadas no século anterior, nos palácios e solares.

Este vaso de Jardim que apresento hoje é uma peça vinda desse século XIX, em que as famílias eram grandes, as senhoras protegiam-se do Sol atrás de sombrinhas e as rosas, as peónias e os buxos e os lagos com peixes doirados ainda estavam na moda e as crianças vestiam-se à marujo.

O vaso foi descoberto pelo Manel na Feira de Estremoz, muito mal tratado, rachado, com um canto partido e com falhas tapadas por cimento. Imediatamente o meu amigo se encantou por ela e passou quase uma hora a negociar-lhe o preço. Acabou por compra-la. Levou-a para casa, lavou-a, colou a peça que faltava, tirou-lhe o cimento e aos poucos o vaso de jardim recuperou o antigo brilho.

O vaso de Miragaia apresenta passarinhos na grinalda e uma base diferente da peça do Manel

Enquanto via o Manel nestes preparos, lembrei-me que tinha acabado de ver uma peça semelhante no catálogo da exposição Fábrica de Louça de Miragaia, Lisboa: IMC, 2008 . Fotografei a peça e quando cheguei a Lisboa, comparei-a com a imagem do catálogo os dois vasos são de facto muito semelhante. As diferenças são os passarinhos na grinalda e o formato da base. Em suma, esta taça poderá ser uma peça saída da Fábrica de Miragaia entre os anos 1830-50.

No entanto há que ter cautela na atribuição e nas datas, pois não está marcada. Sabemos que após a falência da Fábrica de Miragaia, grande parte dos seus operários foram levados para a Fábrica de Sto. António de Vale da Piedade, que precisamente se notabilizou no fabrico de urnas, taças, e pinhas. Portanto o vaso poderá ser já da segunda metade do século XIX, período de grande actividade de Sto. António de Vale da Piedade . Por outro lado, como já todos sabemos, as fábricas copiavam-se umas às outras, sem grande pejo. Miragaia, Devesas, Massarelos, Sto. António eram manufacturas vizinhas e os operários e moldes circulavam facilmente entre elas e todas produziram urnas, pinhas, estatuetas para enfeitar fachadas, jardins ou portões.

Seja ela Miragaia, Sto António do Vale da Piedade ou Devesas, sempre que olho para este vaso, vejo as imagens de uma casa oitocentista do Norte, como muros de granito, um jardim com camélias e crianças que já morreram há muito vestidas de marujo.

Jarra de Altar

2011-10-13T23:39:00.001+01:00

Tenho esta pequena jarra de altar muito simples, sem decoração de qualquer espécie e naturalmente sem marca. Comprei-a na feira-da-Ladra, aquele rapaz tatuado, que tinha um emprego de fato e gravata durante a semana e ao Sábado, gostava de relaxar na feira, vendendo antiguidades da sua casa, que já não lhe interessavam e cavaqueando com os clientes. Tinha certamente um emprego bem remunerado e não devia precisar do dinheiro para nada, mas julgo que gostava daquela sensação de liberdade, de sentir-se uma espécie de feirante cigano, pelo menos ao sábado. Era uma figura da feira, mas desapareceu nos últimos tempos.

Jarra de Massarelos do Museu de Grão Vasco

Já pesquisei bastante sobre esta jarra, mas não encontrei muitas informações concretas. Descobri que ao longo da segunda metade do século XVIII e primeiros cinquenta anos do Século XIX, quase todas as fábricas de faiança portuguesas produziram jarras bojudas para flores com este formato. Miragaia, Rato, Juncal, Massarelos e Viana manufacturaram estas jarras, umas mais bojudas que outras, outras mais decoradas, mas basicamente o formato foi sempre este.

Par de jarras do Museu de Aveiro sem marca

Mas nas bases de dados on line dos museus portugueses ou nos catálogos de arte, nunca vi uma jarra exactamente igual a esta. Isto explica-se porque os museus normalmente seleccionam as melhores peças ou se recebem faianças simples como esta, sem pintura decorativa, colocam-nas nas reservas.

Jarra do Juncal do Museu Nacional de Soares dos Reis

E no entanto, a sua simplicidade encanta-me. Recorda-me os altares das capelas das pequenas igrejas de província, onde há sempre um par destas jarras, uma em cada ponta.

jarra de Miragaia do Museu Nacional de Soares dos Reis

Invariavelmente estas jarras estão cheias de flores frescas, postas por aquelas senhoras, designadas como cuidadoras. Tem uma capela ou mesmo a igreja matriz à sua responsabilidade e estas estão sempre imaculadamente limpas e a cheirar a cera.

Um ambiente de altar barroco na minha casa

Em minha casa, tentei sugerir esse ambiente de capela, colocando-a ao lado da Maquineta com o Menino Jesus e uma Santa de Roca. Julgo que consegui recriar um canto barroco muito português.

Pequenas borboletas ou flores num prato do Norte

2011-10-10T22:22:00.021+01:00

Quando a apresentei o prato com florinhas atribuído a Miragaia, abordou-se um prato de faiança com características idênticas, pertencente ao Manel, o comentador residente deste blog, nas palavras do Joaquim Malvar.

O prato do Manel apresenta um vidrado semelhante, uma borda estreita, um filete à volta com a mesma cor alaranjada e ainda uma decoração com um colorido vivo.

Os dois pratos apresentam um certo ar de família, que me levam a crer que terão saído da mesma fábrica, ou pelo menos de fábricas na mesma área, mais propriamente de Vila Nova de Gaia ou do Porto. O prato do meu amigo não está marcado, bem entendido, mas mesmo assim não me esqueci de fotografar o tardoz.

O prato pertencente ao Manel apresenta um colorido ainda mais vivo que o meu. Os motivos parecem pequenas flores ou insectos. Aliás esta vivacidade das cores já nos levou a pensar que talvez poderá ter saído da manufactura da Bandeira ou Fervença, localizadas em Gaia, mas o que sabemos nós?

Mas seja lá de que fábrica for, é difícil resistir ao colorido destas pequenas borboletas, flores ou libelinhas.

Mas estas borboletas, libelinhas ou florinhas devem ter sido um tema relativamente comum na faiança do Norte, pois logo a seguir a publicar este post, recebi um e-mail da Seguidora Misteriosa, que reconheceu imediamente este padrão e enviou-me imagens de um prato da sua colecção, com a aba decorada com este motivo.

No entanto, o seu prato apresenta no centro um homem brandindo um punhal, numa atitude agressiva, uma espécie de Zé do Telhado, ou um criminoso qualquer, que tenha impressionado muito as pessoas em meados do Século XIX, que contrasta com o colorido despreocupado dos pratos, que vimos até agora, e quer não tem nada a ver com um certo ar de Miragaia. Pensa-se imediatamente no género de pratos dos Meninos Gordos e todas as produções de Bandeira. A Fábrica Bandeira parece ter-se especializado em representar figuras, que andavam nas boca do mundo. Tudo isto só me faz pensar no quanto é complicado fazer atribuições com segurança à Faiança. Julgo que temos que ser prudentes e contentarmo-nos mais em admirar as peças e menos em cataloga-las.

O prato da colecção da Seguidora Misteriosa. Foi comprado como sendo proveniente do Norte.

Ó Fortuna!

2011-10-06T21:17:00.003+01:00

Não, não é aquilo que estais a pensar. Não comprei uma peça autêntica e marcada da Fábrica do Rato, que vale uma fortuna. Mostro apenas duas deusas da Fortuna em faiança que comprei na Feira de Estremoz, muito baratinhas.

O par de mísulas representando a deusa Fortuna

Nesta época de crise, achei bem ter em casa duas estatuetas da deusa romana Fortuna, que naquele tempo representava o destino e as suas incógnitas. Os imperadores romanos sabiam isso muito bem e nunca dispensavam uma estátua desta divindade nos seus quartos, porque sabiam que a roda da fortuna podia girar a qualquer o momento. Mas se a fortuna era volúvel e instável, ela podia trazer subitamente a abundância, representada nestas minhas mísulas pela cornucópia.

A Fortuna com um dos seus atributos característicos: a cornucópia da abundância

Da cornucópia saiam sem se esgotarem frutos e flores proporcionando a todos abundância e prosperidade. É um elemento mitológico que os romanos pediram emprestado aos gregos e que tem origem numa cabra, Amaltéia, que amamentou Zeus com o seu próprio leite. Mas como Zeus era tão forte, partiu um corno da pobre Amaltéia e então para a compensar, concedeu ao chifre partido o poder de dar sem limites todos os alimentos desejados.

A volúvel Fortuna

Quanto ao fabricante destas mísulas representado a Fortuna desconheço-o inteiramente. Tenho um palpite que talvez tenham saído da Fábrica das Devesas, que encheu as cidades portuguesas e brasileiras com estátuas de alegorias e deusas da tradição clássica, mas não estou seguro. Também coloco a hipótese das Caldas. sei apenas que a vendedora me afirmou que tinham saído de um palácio no Alentejo, cujos donos tinham sido abandonados pela Fortuna.

Em todo o caso, esperando que os favores desta deusa caiam sobre todos vós, deixo-vos com a Fortuna dos Carmina Burana

Miragaia certamente

2011-10-03T19:52:00.004+01:00

Já há muito tempo que apresentei este grande prato de faiança aqui no blog. Nesse post aventei a hipótese de se tratar de uma peça saída da Fábrica Rocha Soares em Miragaia. No catálogo da exposição Fábrica de Louça de Miragaia. Lisboa: IMC, 2008 são mostrados alguns fragmentos de faiança achados nas escavações realizadas no local onde era a antiga Fábrica de Miragaia, e entre eles encontrava-se um caco com umas florinhas iguais às do meu prato e foi isso que, me levou a achar que poderia ser uma manufactura de Miragaia. Esta crença era também reforçada pela origem do prato, que tinha sido trazido do Norte de Portugal.

Fragmentos achados no solo da Fábrica de Miragaia. No canto superior direito está um fragmento com uma decoração idêntica ao meu prato

E assim fiquei por um período de quase dois anos, nesta mediana convicção de que se poderia tratar de um prato da Fábrica de Rocha Soares no Porto.

Pormenor do meu prato

Há cerca de 15 dias, estava a desfolhar um catálogo da leiloeira Aqueduto (21 de Março de 2007), a imaginar tudo aquilo que compraria se tivesse uma casa maior e se fosse rico, quando vejo um par de jarras de altar, com uma decoração idêntica à minha, só que com o fundo em azul. Fui ler a legenda e lá estava a confirmação das minhas suspeitas: as jarras da fotografia estão marcadas com o característico R da Fábrica Rocha Soares de Miragaia. O R é a é obviamente a inicial do nome Rocha.

Extracto do catálogo de 21 de Março de 2007 da Aqueduto

Na faiança e nas antiguidades em geral é preciso ter paciência, ver muita coisa, muitos livros, muitos catálogos, pois de repente a chave do mistério aparece de repente à frente dos nossos olhos

Velharias do Luís faz dois anos

2011-09-30T16:29:00.005+01:00

Em 30 de Setembro de 2009, iniciei este blog com a ideia de sistematizar conhecimentos de faiança, gravura e outras antiguidades, mas também porque precisava de qualquer projecto pessoal, que me distraísse da estagnação profissional em que me encontrava. Tinha muita experiência como webmaster, uma larguíssima prática de navegação em sites culturais e apetecia-me aplicar à minha maneira, esses conhecimentos, sem me submeter a directivas oficiais, ou ter que redigir textos em oficialês, língua obscura, usada na administração pública, que o Diário da República é o expoente máximo. Queria ter o meu site pessoal na Internet, sem artifícios gráficos, com uma imagem limpa e simples, que pusesse em evidência os textos e as imagens.

Comecei aos poucos, mas sem acreditar muito que alguém fosse ler os textos. Normalmente, os assuntos que me interessam não estão propriamente na moda, mas logo de início tive o Manuel a ler-me e a comentar-me, apesar de me ver pessoalmente quase todos os dias. Aliás, os dois comunicamos muito bem pela escrita. Depois, passado uma ou duas semanas, com surpresa tive o primeiro seguidor, depois um segundo, um terceiro e depois veio a Maria Isabel, a Maria Paula, a Maria Andrade, a Marília, a Idanhense, as seguidoras misteriosas, o C e o Joaquim, sem esquecer as gentes de Outeiro Seco, com as quais fiz coisas gírissimas. O Humberto descobriu documentos e fotografias inéditas do Solar dos Montalvões e com o Altino Rio participei com três textos do blog Velharias no livro Outeiro das Lembranças, publicado por sua iniciativa. Aliás, a par da faiança, porcelana e gravura e o mobiliário, as memórias familiares foram outras das “velharias” que fui tratando ao longo deste blog. Conhecer a história familiar é uma forma de conhecer quem somos e depois os objectos de porcelana, as estampas o mobiliário, trazem-nos lembranças de tios e avós, que nos deixaram há muito e levam-nos a pesquisar histórias com mais de 100 ou duzentos anos para percebermos melhor esses objectos.

Acompanhado da comitiva, o autor das Velharias visita oficialmente a bonita casa de um seguidor

Outro aspecto muito interessante destes dois anos foi o eco e o diálogo estabelecido com amigos brasileiros. Nomeio claro o Fábio, mas também os outros amigos, que me enviaram peças estupendas de faiança Miragaia e de Sto. António do Vale da Piedade, que estão no alto de casas antigas perdidas no Brasil. Também deste País, conheci gente com a qual partilhei conhecimentos de gravura.

Sei também que tenho seguidores silenciosos, gente que me lê e não comenta. Uns são antigos colegas de faculdade, ourtos primos e outros não conheço de todo.

O autor das Velharias sorri em agradecimento aos seguidores que tiveram pachorra para o ler

Enfim, parece que ganhei um Óscar por causa dos milhões de visitantes recebidos e tenho que agradecer à mãezinha e ao cabeleireiro, passando pelo produtor. Na verdade, não tenho milhões de visitantes e este blog tem um público reduzido, mas não queria deixar de expressar o meu reconhecimento à tertúlia virtual que ao longo destes dois anos me proporcionaram os meus seguidores e que tem sido um jogo de espírito muitíssimo estimulante.

Delicada e sem afectação: a pintura da Vista Alegre

2011-09-29T01:35:00.002+01:00

Volto hoje a apresentar mais uma peça Vista Alegre com os motivos das florinhas, fabricado muito provavelmente durante o 4º período, 1870-1880, ou talvez ainda numa época mais antiga. Não está marcada com o tradicional VA. Apresenta apenas o número 18, pintado a doirado. Este suposto número com um ponto final levanta-me algumas dúvidas. Estes caracteres não serão as siglas VA esborratadas ou com o dourado esmorecido?

Número 18?

Mas é mais provável que seja o número da decoração ou uma marca do artista.

Mas apesar de não estar marcada com o típico VA, é óbvio que é Vista Alegre. Basta compara-la com outra cafeteira, que também tenho com a mesma forma e uma decoração semelhante, embora não tão requintada, mas que se apresenta marcada.

As duas cafeteiras: um bom exemplo da delicadeza, sem debilidade, nem afectação

Este motivo das florinhas desperta-me uma paixão tão grande há tanto tempo que procurei saber mais sobre ele e fui consultar a obra Vista Alegre: porcelanas. – Lisboa: INAPA, 1989. Encontrei um texto muito bem escrito, por uma senhora, Maria de Azevedo Coutinho, intitulado A pintura: imagem da Vista Alegre, que me ajudou a perceber melhor este estilo floral delicado.

Como toda a gente sabe as manufacturas de porcelana europeia surgiram no século XVIII, inteiramente dependentes do patrocínio de casas reais e produziam peças luxuosas, pintadas com o maior requinte por artistas conceituados da época. Os exemplos mais paradigmáticos são Meissen, dependente do Duque do Saxe e Sêvres da Casa Real francesa.

Depois da Revolução francesa e das guerras que se lhe seguiram, o patrocínio real acabou, as encomendas sumptuosas também diminuíram e apareceram fábricas privadas que produziram peças mais baratas e em maior número para satisfazer a procura da burguesia abastada. A nossa Vista Alegre surge precisamente neste período e neste contexto, muito embora em Portugal, nunca tivesse existido no século XVIII uma fábrica de porcelana real, pois como através da nossa rede comercial marítima tínhamos um acesso privilegiado à porcelana da China, a melhor do mundo, nunca sentimos necessidade de a fabricar.

As novas fábricas europeias de porcelana do século XIX com orçamentos mais reduzidos tentaram reproduzir os faustos do século anterior, mas sobretudo através das formas e a grande pintura ficou confinada a pequenas reservas.

Em Portugal, no século XIX, a Vista Alegre não dispõe de tecnologia para moldes arrevesados, nem de dinheiro para contratar grandes pintores. O gosto dos proprietários da fábrica e do público português são também limitados. Por isso a sua produção é caracterizada por formas mais simples e por uma pintura que revela igualmente grande simplicidade.

Esta simplicidade e lirismo tem também a ver com o ambiente familiar e quase campestre da escola de pintura que se foi desenvolvendo na Fábrica. Longe do Porto, Coimbra ou de Lisboa, a serenidade que se vivia em Ílhavo influenciou a estética das suas obras. Criou-se ali uma escola e uma tradição de pintura, que não era muito eficaz nas cenas mitológicas ou temas rocaille à moda de Fragonard, mas ganhou uma grande mestria nos motivos florais. Esta escola, afastada dos centros urbanos é algo conservadora. Mantem-se sempre nas mãos da mesma família, os Pinto Bastos, que se orgulham da qualidade da pintura na Fábrica e acarinham sempre esta arte

Não gosto de concluir nada, porque a vida nunca é linear e nem os desenlaces são perfeitos, mas posso adiantar que uma certa limitação de meios jogou a favor da Vista Alegre, que produziu na época desta cafeteira peças de uma notável delicadeza, mas sem afectação.

Bule da Vista Alegre: 1870-1880

2011-09-26T17:04:00.004+01:00

Não tenho espaço em casa. Todos os centímetros estão tomados com móveis, registos, gravuras, cruzes, faianças e imagens, mas como diria um coleccionador francês, uma boa peça encontra sempre o seu lugar na nossa casa e talvez levado por essa máxima, ou talvez porque sou tolo, comprei por um preço bastante em conta este bule da Vista Alegre, datado entre 1870-1880, década que se costuma designar pelo 4º período de produção. Nestes anos, na Fábrica da Vista Alegre, encontrava-se o artista Joaquim José de Oliveira, aluno de Fortier e Rousseau, que manteve o esplêndido nível de pintura dos seus mestres.

A marca datada entre 1870-1880

Além da decoração floral muito delicada, o que chama mais atenção neste bule, são as grandes dimensões. É uma peça para servir chá a muita gente!!

O formato é já bem nosso conhecido. A Fábrica de Ílhavo usou formato de bule polilobado durante décadas a fio, com decorações variadas ou simplesmente todo branco.

O Açucareiro que eu pensava pertencer ao mesmo serviço

Quando comprei este bule, julgava que era do mesmo serviço de um açucareiro, mais ou menos também deste período, que já mostrei aqui. Mas não. A Vista Alegre fez imensas variantes deste motivo floral. A olho nu, já contei umas seis variantes deste motivo das florzinhas.

Detalhe do bule com as características florinhas.

Já aqui o escrevi e não me canso de o repetir. Mas este tipo de decoração é a meu ver, das mais felizes da fábrica. Nela, os pintores respeitam a brancura da porcelana, a pincelada é suave e as flores extremamente delicadas.

Para escrever este post usei as informações contidas no catálogo Exposição Vista Alegre: porcelana portuguesa: testemunho de história. Lisboa: Estar Editora, 1998

Outra vista do bule

Ainda a sempre noiva: a Infanta Isabel Luisa Josefa

2011-09-23T16:52:00.001+01:00

Quando se encontra a ponta de um novelo, todo o fio vem atrás rapidamente e foi o que me aconteceu com a estampa aqui representada, sobre a qual escrevi em 7 de Setembro. Depois de ter descoberto que se tratava da Infanta Infanta Isabel Luisa Josefa, consegui identificar os seus autores, obter informações sobre a vida e a obra destes, bem como decifrar a iconografia da gravura.

Mas já depois de ter escrito o post, ao desfolhar a obra A ilustração do livro: Séculos XV a XIX, de Ernesto Soares, publicada em Lisboa, pela Excelcior encontro novamente o retrato da infeliz infanta, que morreu encalhada, como dizem os nossos irmãos brasileiros. Fui ler o respectivo texto e fiquei a saber que esta estampa foi parte integrante de um livro, a Alma instruída, do Padre Manuel Fernandes. De facto, desde há muitos anos que fui tendo sempre a suspeita, que a estampa poderia ter sido o frontispício de um livro. Aliás, julgo que a maioria das gravuras antigas que andam por aí a serem vendidas, fizeram um dia parte de livros.

Depois desta descoberta, fui passear para o site da Biblioteca Nacional e localizei a dita alma instruída, publicada em 3 volumes entre 1688-1699, em Lisboa, na oficina de Miguel Deslandes. A obra foi dedicada à Infanta e os três tomos apresentam frontispícios com a princesa da Beira no meio de figuras alegóricas. A minha estampa foi a que saiu no volume II, publicado em 1690, conforme se pode perceber pelo excerto do registo bibliográfico:

Tomo segundo, que contem a Doutrina do Symbolo dos Apostolos, & Artigos da Fé, até os Mandamentos da Lei. - 1690. - [1] f. grav., [19, 1 br.], 1025 p. - Antes da p. de tít., f. grav. calc. com a Infanta sentada num trono, rodeada pelas figuras da Fé, Esperança e Caridade, e nos degraus do trono dois anjos segurando o respectivo escudo, assin. "Hal... delen", "H. Trudon Effigiem pinx", "G. Edelince Effigies Sculp parisiis..."

Segundo a Grande enciclopédia portuguesa e brasileira, este Padre Manuel Fernandes (1614-1693) era um Jesuíta, autor de manuais de teologia moral e chegou a confessor de D. Pedro II, o que explica porque razão dedicou a esta obra à filha primogénita do Rei.

Agora o meu objectivo é encontrar imagem dos outros frontispícios gémeos do meu, que também representam a Infanta. Infelizmente a Biblioteca Nacional ainda não digitalizou o livro e terei ir procurando aqui e ali, mas se os encontrar imagens mostro-as aqui.

Prato em faiança imitando o mármore

2011-09-21T00:45:00.001+01:00

Visitei há pouco tempo a casa de um amigo transmontano, que é um edifício com carácter, história e cheio de coisas interessantes. Uma das muitas peças que me chamaram a atenção foi este belo prato, com uma pintura a sugerir mármore e que obviamente não está marcado. Recordou-me uma mísula apresentada pela Maria Andrade em 4 de Junho deste ano, bem como um galheteiro, mostrado no mesmo post, pertencente à primeira seguidora misteriosa, que vai alimentando generosamente estes blogs com os seus tesouros de cerâmica. A Maria Andrade suspeitava que a sua mísula fosse do século XVIII e o movimento barroco da peça sugeria que sim e talvez fosse até fabrico do Rato.

Painel de azulejos pombalinos imitando o mármore

Não afirmo que este prato seja Rato, ou do Século XVIII, mas tal como a mísula da Maria Andrade ou o galheteiro da Seguidora Misteriosa, corresponde a uma moda muito comum de imitação do mármore, presente nas artes decorativas portuguesas, nomeadamente na talha, no azulejo, no estuques e nas faianças e até mesmo no papel.

Papel marmoreado do Séc. XVIII

Julgo que ainda em hoje em dia esta pintura de fingimento de mármore é ensinada na fundação Ricardo Espírito Santo Silva.

Peanha marmoreada de imagem de S. Bernardo da colecção do Palácio Nacional de Mafra.

A sala do Museu do Solar de Outeiro Seco: cadeira estilo Hepplewhite

2011-09-20T13:14:00.005+01:00

A cadeira estilo Hepplewhite do meu amigo Nortenho

Como já aqui escrevi, já tenho uma memória esbatida do interior do Solar. Recordo-me bem da impressão causada pelo sol, que invadia as salas todas, da imensa biblioteca com livros de dois, três e quatro séculos, das peles de animais exóticos que decoravam as paredes, dos pedaços de mosaico romano na vitrina do museu, bem como de dúzias de instrumentos em pedra e metal dos tempos pré-históricos. Claro, também me lembro da fonte em alabastro com os passarinhos, que neste momento está em minha casa, mas esse é o género de objectos, que encanta qualquer criança. Ainda hoje muitas crianças adultas se encantam com a peça quando a vêem na minha casa. Mas a memória é uma caixa de capacidade limitada e por muito que eu queira extrair mais informações sobre a casa não consigo.

A fonte de alabastro, peça italiana do séc. XIX

Talvez por isso faça este exercício do blog, que é uma forma partilhada com os meus seguidores de descobrir, trazer do esquecimento mais pormenores sobre o solar. Creio que ambiciono um dia fazer uma espécie de site na internet, que levante de novo as paredes do Solar Outeiro Seco e volte a abrir as salas cheias de sol, que por vezes ainda aparecem nos meus sonhos, embora cada vez mais raramente.

A sala do museu, onde do lado direito, assinalada coum um traço se vê a cadeira Hepplewhite

Na última, vez que apresentei uma fotografia da sala do museu, a propósito do post sobre o canapé, um dos meus seguidores nortenhos imediatamente reparou numa outra cadeira, que a objectiva fixou e enviou-me uma imagem de peça idêntica da sua colecção, feita em pau-santo. Foi muito curioso, porque há uns tempos o meu amigo Humberto tinha-me enviado uma imagem da cadeira autêntica, a que está na fotografia antiga e que neste momento é propriedade de uma familiar minha. Na época pensei escrever sobre ela, mas faltou-me a história e pois gosto sempre tecer uma pequena narrativa à volta dos objectos. Agora com as duas fotografias achei que tinha chegado a altura de escrever sobre esta cadeira, que mobilou outrora a sala do Museu de Outeiro Seco.

A cadeira que estava do Solar dos Montalvões. Fotografia de Humberto Ferreira

A cadeira do meu seguidor nortenho e a cadeira do Solar, que são quase idênticas, foram feitas segundo o estilo Hepplewhite.

Outro detalhe da cadeira em pau santo do nosso amigo do Norte

Conforme se pode ler na Wikipédia, este estilo tem origem num senhor chamado George Hepplewhite, um marceneiro inglês, que viveu entre 1727 e 1786, contemporâneo de outros dois nomes míticos do mobiliário inglês, Thomas Sheraton e Thomas Chippendale. No entanto o Senhor Hepplewhite no seu tempo não foi famoso, nem se conhecem realmente peças assinadas por ele. Só após a sua morte, quando a mulher Alice tomou conta do negócio e fez publicar um livro com 300 desenhos de modelos concebidos pelo marido, The Cabinet Maker and Upholsterers Guide, é que obteve reconhecimento público. Mais o livro tornou-se uma bíblia para todos os marceneiros ingleses, influenciou de forma indelével o mobiliário inglês e norte-americano da primeira metade do século XIX e por cá o estilo D. Maria acusa inspiração neste estilo. Aliás, é provável que as duas cadeiras em causa sejam datadas da primeira metade deste século.

The Cabinet Maker and Upholsterers Guide

Em suma, apesar de Senhor Hepplewhite ter desenvolvido a sua actividade no século XVIII, a sua influência começa depois da sua morte e acentua-se ao longo do XIX. Aliás, os modelos do seu livro nunca deixaram de ser copiados e ainda hoje as casas da chamada mobília de estilo fazem cadeiras Hepplewhite.

The Cabinet Maker and Upholsterers Guide

Hepplewhite é um estilo esbelto, caracterizado pelo espaldar em forma de escudo e pernas rectas, que se tornou ao longo de dois séculos uma referência clássica do mobiliário ocidental.

Nossa Senhora da Luz: Verónicas e Registos de Santos

2011-09-14T16:31:00.001+01:00

Como já sabem os seguidores deste blog, tenho uma paixão por registos de Santos. Além das razões estéticas e emocionais para esta colecção, os registos são um meio barato de se ter em casa peças originais do século XVIII. Com efeito, já cheguei a comprar gravurazinhas destas a um euro e ainda fiz um favor à vendedora em liberta-la daqueles horrores piedosos.

Mas não é para falar de mim, que apresento hoje esta imagem da Senhora da Luz, dos últimos anos do Século XVIII, executada já ao gosto neoclássico. Andei a ler com mais atenção os Subsídios para a história da gravura, de Luís Chaves e descobri algumas coisas muito interessantes, que gostaria de partilhar com os leitores do blog.

O registo é normalmente uma estampa, que regista o pagamento de uma promessa ou o cumprimento de um dever religioso. Isto quer dizer que as pessoas, quando se deslocavam a uma romaria, compravam na igreja ou catedral uma gravurazinha destas para registar a sua presença no Santuário ou então adquiriam estas imagens, como bilhete para ganharem a indulgência registada na estampa.

Quanto apresentei um dos posts sobre registos de Santos, a Maria Andrade observou que eu usava o termo registo, quer para a estampa propriamente dita, quer para o registo emoldurado em papelão ou encaixilhado a vidro e decorado com pedacinhos de tecido, contas e restos de passamanaria. A nossa amiga tinha ideia que registo era um termo aplicado apenas à segunda situação.

A leitura da obra Subsídios para a história da gravura forneceu-me uma adequada resposta à pergunta da Maria Andrade pois de facto os dois objectos são identificados por nomes diferentes, conforme explicarei de seguida:

1 - A estampa com o santo designa-se por registo;

Sta. Ursula: exemplo de um registo

2 - As gravuras dos santos resguardadas em caixilhos de madeira ou papelão, com ou sem vidro e muito enfeitadas com lantejoulas e contas designam-se por Verónicas (p. 116 de Subsídios Para a História da Gravura, ed. 1927)

Exemplo de uma Verónica

Creio que esta palavra tão bonita a sugerir flores terá talvez tido origem nas pinturas com o rosto de Cristo, que as pessoas emolduravam preciosamente. Infelizmente, hoje o termo desapareceu e usa-se registo indiferenciadamente para designar estes dois objectos.

Quanto à minha gravura da Senhora da Luz, certamente reporta-se à Imagem em veneração na Igreja de Carnide e terá sido impressa na Rua do Passeio Público, nº 2. O Passeio Público como toda a gente sabe era o jardim público de Lisboa, criado no tempo do Marquês de Pombal, na actual praça dos Restauradores e início da Av. da Liberdade e foi praticamente destruído nos finais do XIX. Junto a este jardim, no nº 2, situava-se a casa de Francisco Manuel, que foi durante muitos anos uma próspera fornecedora de estampas religiosas a toda a Lisboa e arredores, pelo menos a julgar pelo elevado número de registinhos que se encontram com aquela morada.

Uma fotografia do pós-guerra

2011-09-11T00:59:00.001+01:00

Gosto de ver fotografias antigas de famílias. Cada uma delas fixou para sempre um tempo da história, ainda que o seu objectivo fosse mostrar prosaicamente um vestido novo, um momento de coquetterie, assinalar um aniversário ou um passeio.

Esta fotografia da minha mãe Teresa e da sua irmã Francisca foi tirada ao fundo da vila transmontana de Vinhais, em direcção a Bragança. A estrada ainda era de macadame e do lado direito não existia qualquer espécie de construção, nem o Tribunal, nem as vivendas cinquentonas, que depois ocuparam o local. Não há carros e elas posaram demoradamente no meio da estrada para a câmara. Ao fundo vê-se a casa da Cavaquinha, uma senhora que era tão forreta que apanhava as lagartas das culturas à mão e mais ao fundo ainda outra casa, que pertencia à uma amiga da minha mãe a Maria Efigénia.

Poderemos datar a fotografia entre 1945 ou 1946. As modas ainda acusam as tendências do período da guerra.

Os sapatos são ainda com solas muito grossas. Durante a Segunda Guerra mundial o couro escasseou e os sapatos passaram a ser fabricados em materiais como cortiça, borracha reutilizada de pneus e madeira. Consequentemente desapareceram os escarpins finos e elegantes e as plataformas tornaram-se numa moda irremediável para todas, como se pode ver nesta imagem de Paris, durante o período da ocupação (1940-1944).

Os sapatos em Paris durante a ocupação

As saias são também relativamente curtas, pois durante este conflito mundial houve racionamento de tecido por toda a Europa, inclusive num país neutro como Portugal e as mulheres não tiveram outra solução senão procurarem estar elegantes com menos pano. A minha mãe e a irmã seguem também outra moda surgida em Paris durante a ocupação. As saias travadas desaparecem quase por completo, pois as mulheres precisavam de alguma folga nas pernas para andarem de bicicleta, uma vez que os carros particulares quase que desapareceram das cidades europeias durante este período.

Durante a ocupação as saias tornaram-se menos justas para permitir ás mulheres usarem as bicicletas

Os ombros dos vestidos são marcados, sem dúvida influência dos uniformes militares.

Paris durante a Ocupação: os chapéus feitos de nada

As duas irmãs só não apresentam os fantásticos chapéus parisienses do período da ocupação, feitos de nada, que desafiavam a lei da gravidade. Nesta altura, as parisienses punham nos chapéus tudo aquilo que não podiam aproveitar para a roupa, como restos de tecido, de lã, aparas de madeira envernizadas ou bocadinhos de passamanaria e os resultados eram fabulosos.

Paris durante a Ocupação: os chapéus feitos de nada

Mas obviamente, Vinhais não era Paris, a minha mãe e a minha tia não andavam de bicicleta, saiam de casa apenas para ir à Missa e fazer visitas e certamente iriam acompanhadas por algum chaperon, como um irmão, uma criada velha ou uma tia. Viviam numa vila perdida no extremo Norte de Portugal, num período em que os costumes eram apertados para as jovens. Claro, deveriam consultar avidamente os figurinos, o nome antigo que se dava às revistas de moda, publicações que apesar da devastação da Europa, nunca deixaram completamente de circular.

O new look de Dior em 1947

Pouco tempo depois de ser feita esta fotografia, no ano de 1947, quando o racionamento está a acabar, Christian Dior lança o new look, caracterizado por saias até á barriga da perna, com muita, muita roda, de tal forma que os homens e mulheres conscienciosos se indignaram com o enorme desperdício de tecido. Portanto, 1947 é um ano que serve para datar as fotografias antigas. Os vestidos femininos são antes ou depois de 1947

Os meus seguidores amantes da faiança, da gravura ou mobiliário que me desculpem por esta incursão à moda, mas as fotografia antigas levam os nossos pensamentos em todas as direcções e eu gosto de fazer a chamada petite histoire

A sempre noiva: estampa feita dos finais do séc. XVII

2011-09-07T20:00:00.007+01:00

Há mais de 15 ou 16 anos que tenho esta gravura comigo e estive sempre convencido que representava a Rainha D. Maria I (1734 -1816). Era evidente que se tratava de uma soberana e portuguesa, como se podia ver pelo escudo e como no século XVIII só houve uma mulher a ocupar o trono em Portugal, só poderia tratar-se de D. Maria. Assim durante todo este tempo vivi convicto que tinha uma estampa original dos finais do XVIII, em casa representando a rainha D. Maria I.

A lisonja

Mais recentemente, achei que esta estampa merecia um post e procurei informar-me sobre ela. Contudo, por muitas pesquisas que fizesse os resultados eram sempre nulos, A única coisa que adiantei foi sobre o brasão, na parte inferior da gravura, que se apresenta em forma de losango, com o lado esquerdo preenchido com as armas de Portugal e o lado direito vazio. Esta forma de brasão é designada por lisonja e é apanágio das mulheres. Como as senhoras não iam a guerra, os seus brasões não eram em forma de escudos. Usavam então estas lisonjas, que quando tinham a metade esquerda em branco, significava que ainda não eram casadas. Quando arranjassem um marido, as insígnias heráldicas dele ocupariam o lado esquerdo.

Persuadi-me então que se tratava de um retrato de D. Maria I, ainda solteira, talvez ainda como princesa herdeira do trono.

E continuei neste convencimento, até que segunda-feira, descobri na secretaria de um dos colegas de trabalho, um livrinho intitulado Princesas e infantas de Portugal: 1640-1736/ Ana Cristina Duarte Pereira. – Lisboa: Colibri, 2008 e qual não foi o meu espanto quando encontrei a imagem da minha gravura na capa. Abri logo para ler a ficha técnica e descobri que estampa representava a afinal Isabel Luisa Josefa, Princesa da Beira!

Isabel Luisa Josefa por Dupra

Esta senhora, cujo nome para a maioria dos portugueses não diz nada era a filha única de Pedro II e de D. Maria Francisca de Sabóia, que protagonizaram um dos episódios mais rocambolescos da história portuguesa. Depois da Restauração da Independência em 1640, a coroa portuguesa procurou estabelecer a paz com os países inimigos da Espanha, que continuavam a atacar as nossas caravelas e colónias, e para esse efeito nada melhor do que resolver os conflitos com casamentos. A filha de João IV, Catarina foi despachada para o rei de Inglaterra e por consequência os navios corsários ingleses deixaram em paz os nossos navios e o primogénito, Afonso VI casado com uma princesa da corte de Luís XIV, Francisca de Sabóia, conseguindo assim o apoio da França contra a Espanha.

Ora acontece que Afonso VI era um incapaz e a Maria Francisca uma mulher ambiciosa, educada na corte sofisticada de Luís XIV, cujos costumes não primavam pelo rigor e não tardou em envolver-se com o cunhado, D. Pedro e a intrigar abertamente contra o 1 º ministro, o Conde Castelo Melhor. Juntamente com o cunhado, acabaram por levar os seus projectos a bom porto, o rei foi interditado, o casamento anulado e os dois, conseguiram-se finalmente tornar reis de Portugal, após a morte de Afonso VI.

O casal só teve esta filha, que, ao que consta foi muito bem-educada. Falava francês, italiano e espanhol, sabia latim e dedicava-se ao estudo da história. Além destes predicados era bonita, pelo menos a julgar pelos retratos. Sendo filha única era a herdeira do trono português e portanto usava o título de princesa da Beira. O seu pai tentou arranjar-lhe vezes sem conta marido por toda a Europa, mas os projectos abortaram sempre e a pobre rapariga ficou maliciosamente conhecida pela sempre noiva. Acabou por morrer cedo, com 21 anos, em 1690, sem nunca casar e sem poder usar os seus predicados culturais e físicos. O trono será ocupado, pelo seu meio meio-irmão, o futuro D, João V, nascido do segundo casamento do pai.

Quanto à estampa, sabendo já quem representava, descobri facilmente uma igual na Biblioteca Nacional. O exemplar deles não tem os dados de impressão tapados pelo passe partout como o meu e contem assim a seguinte legenda:

Halé delin. ; H. Trudon Effigiem pinx ; G. Edelinck... sculp., Parisiis

A gravura foi impressa em Paris, entre 1690 e 1705, data baseada no período de actividade do gravador, que foi um tal Gérard Edelinck, (1649-1707). Flamengo estabelecido em Paris, este gravador alcançou um enorme prestígio em França. Foi nomeado por Colbert professor na manufactura de Gobelins e admitido na Academia em 1677. Realizou gravuras de retratos das mais conhecidas pessoas em França no tempo de Luís XIV, como Descartes, Colbert, Lebrun, Rigaud, Champaigne, Santeuil, Nicolas Feuillet e do próprio Rei e ainda da sua amante preferida na época, Louise de La Vallière.

Louise de La Vallière, a maîtresse-en-titre de Luís XIV

Fiz mais umas pesquisas e descobri a mesma gravura no British Museu e mais informações sobre os artistas que executaram o desenho. O pintor Claude Guy Hallé executou o desenho da composição geral e Jerome Trudon o retrato da princesa propriamente dita a partir de um quadro anteriormente pintado por si. Claude Guy Hallé (1652-1736) pertencia uma dinastia de pintores e foi um artista conhecido no seu tempo. Algumas das suas obras serviram de cartão para tapeçarias de Gobelins.

Réparation faite au roi par le doge de Gênes por Hallé. Obra que serviu para cartão de uma tapeçaria

Trudon foi um pintor que caiu completamente no esquecimento.

A alegoria da Igreja

A descrição do British Museum forneceu-me também a chave dos elementos iconográficos da estampa. Ao centro vemos a Princesa da Beira, rodeadas de três figuras femininas, que representam as três virtudes teologais, a Fé (com o cálice), a Caridade (chama) e a Esperança (a âncora). A figura do alto, envergando a coroa de S. Pedro, representa a Igreja.

A Fé

A Caridade

A esperança

Talvez esta estampa tenha sido encomendada por D. Pedro II, em Paris, a um dos melhores gravadores da época, Gérard Edelinck, como forma de propagandear pelas cortes europeias, a beleza e as virtudes da princesa católica, que se queria casar a todo custo, e por essa razão julgo que a data da sua execução seja anterior à morte da Princesa, em 1690.

Mais sobre esta estampa

Canapé estilo D. Maria do Solar de Outeiro Seco

2011-09-02T19:30:00.008+01:00

Este canapé fazia parte do recheio do Solar dos Montalvões em Outeiro Seco. Ao contrário de uma ou outra peça de mobília ou de artes decorativas, que ainda me recordo nos seus sítios originais em Outeiro Seco, desta já não tinha qualquer ideia. Também a última vez que visitei o solar teria uns 16 ou 17 anos e nessa idade não tinha o olho treinado para as belas antiguidades e muito menos a consciência, que era a última vez que estava a ver a casa com o seu recheio original e que tudo aquilo iria ser dividido, disperso ou abandonado ao caruncho.

No entanto, com alguma paciência, visionei umas quantas vezes o filme,que o meu pai fez nos meados nos anos sessenta do interior do solar e consegui descobri-lo na chamada sala do museu, aquela divisão onde o meu trisavô, José Rodrigues Liberal Sampaio reuniu o seu gabinete de curiosidades. No inventário sumário da casa que a minha avô Mimi fez da casa, mais atento às artes decorativas, do que ao mobiliário, menciona nesta sala a existência de três sofás, com os respectivos conjuntos de cadeiras, sendo que os dois primeiros são do estilo D. Maria. Provavelmente, um deles será o exemplar da fotografia que apresento. A avó usou o termo canapé como sinónimo de sofá.

Do lado esquerdo podemos ver o canapé na sua localização original, no solar de Outeiro Seco

Depois da partilha do recheio pelos herdeiros e da venda da casa, este canapé, calhou a minha avó Mimi, que o colocou no escritório da casa, em Chaves. Nessa época, nós os jovens, éramos constantemente admoestados, sobre a forma como nos devíamos ali sentar. De facto, estas peças de mobiliário são pouco confortáveis, frágeis e não foram desenhadas para as pessoas se estiraçarem-se nelas a ver televisão, com um balde de pipocas à frente. Estes canapés destinavam-se às salas de visitas, onde as senhoras, os cavalheiros e as criancinhas se sentavam muito direitas e compostas. As visitas eram um momento formal das classes mais abastadas. Havia até cerimonial próprio. As pessoas retribuíam as visitas, que faziam umas às outras e deixavam sempre um pequeno cartão e existia até um movelzinho próprio, que segurava uma bandeja em prata, porcelana ou faiança, para deixar os cartões de visita. Creio que se chamavam bilheteiras. Envergavam-se as melhores toilettes para esta actividade social e as senhoras nunca tiravam o chapéu. Enfim, este aparte, serviu só para explicar aos mais novos, o motivo porque estas peças de mobiliário são tão pouco confortáveis, pois correspondiam serviam uma actividade social muito formal.

A minha avó passou os últimos dez anos da vida dela num lar, completamente incapacitada mentalmente e o canapé ficou encerrado, na sua casa, às escuras, ganhando caruncho. Depois da sua morte, os filhos fizeram as partilhas e o meu pai ficou com o canapé. Colocou-o na sala de jantar. Porém, como era muito grande e atravancava a sala, despachou-o para um armazém e lá ficou outra vez por mais uma década, à mercê da humidade, do pó e do bicho da madeira.

Subitamente no Verão passado, o meu pai resolveu desfazer-se do armazém e dividir o seu conteúdo pelos filhos. Fiquei com a fonte em alabastro e este enorme canapé de quatro lugares, para o qual não tinha de todo lugar em casa. O Manel veio em meu auxílio, ofereceu-se para guarda-lo e lá foi ele para Pombal aterrar em mais uma arrecadação. Este Verão, o canapé viajou mais uma vez vez e rumou para o Sul, para casa do Alentejo do Manel. Aqui teve mais sorte, pois o Manel gostou dele e resolveu restaura-lo. Quando o Manel gosta muito de uma peça oferece-se para recupera-la.

O resultado do restauro foi este, que vemos na fotografia. A madeira de nogueira reapareceu debaixo da sujidade com um brilho muito bonito, mas manteve a patina do tempo. A estrutura foi consolidada e algumas partes muito atacadas pelo caruncho foram até refeitas. A palhinha foi limpa e passada com goma laca para ganhar algum lustro, mas sem brilho excessivo. Enfim, o Manel fez um trabalho que respeitou a antiguidade e a história da peça.

O trabalho em marcheteria. Os embutidos serão talvez em raiz de nogueira ou freixo

Embora este tipo de peças seja vulgarmente designado pelo estilo D. Maria (1777-1816), a sua execução já foi certamente posterior ao seu reinado.

Cadeira inglesa estilo Regency

Terá sido executado à volta de 1815-1830, ou talvez um pouco mais tarde, pois os braços e mesmo o espaldar já acusam os estilos da Restauração em França (período após a queda de Napoleão, 1815, em que os Bourbons regressaram ao trono de França) ou do estilo Regency, em Inglaterra. Mas o trabalho de marchetaria no espaldar, o uso da palhinha, a madeira clara, as linhas simples e suaves são ainda ao gosto do chamado estilo D. Maria.

Cadeira estilo Luís XVI

2011-08-14T20:13:00.060+01:00

O meu amigo Manel gosta de comprar velhos móveis, que muitas vezes já ninguém liga muito, para os restaurar e devolver-lhes uma nova vida. Ao mesmo tempo que os restaura, estuda-os e vai solidificando os seus conhecimentos sobre uma determinada época, como por exemplo, esta cadeira, que adquiriu há uns anos e apresenta todas as características do estilo artístico, que dominou o reinado do rei francês, Luís XVI (1774-1791) e que tomou o seu nome. Este Luís foi o Senhor que casou com Maria Antonieta e dois tiveram um triste fim, pois acabaram guilhotinados, vítimas da fúria da Revolução de 1789.

O estilo Luís XVI surge como reacção aos excessos barrocos do período anterior, o chamado Estilo Luís XV, em que todas as linhas são curvas e exuberantes e a simetria do classicismo é pura e simplesmente arrumada e esquecida nas arrecadações dos sótãos dos palácios.

A rosácea é um elemento típico deste estilo

O novo estilo Luís XVI baseou-se nas recentes descobertas arqueológicas de Pompeia, em 1748, que impressionaram a Europa dos aristocratas e os membros do alto clero e puseram na moda um gosto mais sóbrio, uma admiração pelas linhas direitas, pelas colunas dos templos clássicos. Aliás este gosto pelas colunas é um dos traços mais característicos do mobiliário Luís XVI. Os pés das cadeiras, das poltronas, das camas, das cómodas e dos canapés parecem pequenas colunas romanas.

O pé canelado como se fosse uma coluna clássica

Mas este retorno à antiguidade não é um plágio, mas antes uma inspiração, pois a época é demasiado frívola e desejosa de fantasias para adoptar sem restrições as linhas demasiado frias do classicismo.

os pequenos pormenores frívolos destinados a seduzir

Recordo-vos que é este o período em que a rainha Maria Antonieta vive uma existência despreocupada em Versalhes, gastando milhões em vestidos, mandando erguer nos jardins do referido Palácio, uma aldeia falsa para brincar aos camponeses com o seu círculo íntimo. Assim, nas formas puras do classicismo, usam-se grinaldas, os estofos das cadeiras são feitos de delicados tecidos com padrões florais. Embora, baseado no classicismo o estilo Luís XVI é feminino, cheio de graça e destinado a seduzir.

o espaldar cabriolet en chapeau e o tecido floral muito típico da época

Normalmente este mobiliário tinha por pano de fundo salas com boiseries em madeira trabalhada e pintada, que se harmonizavam com os estilos dos móveis. Reproduzo aqui o desenho de umas dessas salas apaineladas, retirado da obra L'Art architectural en France, motifs de décoration intérieure et extérieure / dessinés... par Eugène Rouyer ; Texte, par Alfred Darcel. - Paris : Noblet et Baudry,1863-1866, para vos dar uma ideia do luxo desses interiores.

As boiseries Luís XVI

Voltando a cadeira à cadeira do Manel, ela é feita em faia, uma madeira que normalmente se usava nos móveis que se destinavam a serem pintados. O mobiliário francês desta época é muitas vezes pintado de branco, cinzento ou então dourado. A faia é uma madeira pouco usada na marcenaria portuguesa, o que leva o Manel a pensar que esta peça tenha origem no estrangeiro. Em Portugal normalmente usa-se castanho, nogueira, carvalho ou madeiras exóticas, como o pau-santo.

O Manel como não gosta de móveis pintados, retirou-lhe a tinta cinzenta e deixou-a na sua cor natural, o que está mais de acordo com a tradição portuguesa, que aprecia a textura e as cores da madeira à vista.

Para o estofar, escolheu-lhe um bonito tecido bastante antigo, apanhado do lixo em Barcelona e que pertenceu aos cortinados de um velho palácio daquela cidade,

No entanto, a cadeira estava estofada com molas, o que indicou desde logo ao Manel que a sua peça não poderia ser um original do século XVIII. As molas só aparecem no século XIX. Por outro lado, esta cadeirinha fazia parte de um conjunto, formado por um canapé, poltronas e muitas cadeiras, o que também nos mostra que será já uma peça do século XIX, pois é nesta época que as famílias burguesas ganham o hábito de encomendar jogos de mobília no mesmo estilo para cada uma das divisões. Para a sala de jantar escolhiam móveis Renascença, para o escritório um solene estilo império e para a sala de visitas, um delicado conjunto estilo luís XVI.

Eugénia do Montijo por Franz Xaver WINTERHALTER

Na verdade esta cadeira é muito provavelmente da época de Napoleão III, acerca da qual já aqui escrevemos. A sua mulher, a espanhola, Eugénia de Montijo, tinha uma verdadeira paixão pelo mobiliário estilo Luís XVI, de que mandou executar inúmeras cópias, lançando assim uma moda, que se espalhou por toda a Europa e Américas. Em França chamam as estas cópias “Louis XVI-Impératrice” e a partir de meados do século XIX multiplicaram-se por todas as grandes casas burguesas de Lisboa a Varsóvia, passando por Berlim e estendendo-se ao Rio de Janeiro ou a Nova Iorque.

Para quem quiser saber mais recomendo a leitura da obra Reconnaîte les meubles de style / P.M . Favelac. - Paris: Ch. Massin, [s. d.]

Paris par Laure Albin-Guillot

2011-08-11T15:09:00.001+01:00

Passam-me muitos livros pela mão. Consigo estabelecer com eles uma relação impessoal, como os médicos fazem com os seus doentes. Mas, a semana passada, tive um verdadeiro choque, quando ao abrir um álbum luxuoso de 41 cm e deparei com estas fotografias a preto e branco de Laure Albin-Guillot. São imagens de uma beleza lancinante de Paris. Foram provavelmente tiradas nos finais dos anos 30, mas mostram uma Paris imemorial, cujas imagens já tinha na cabeça, muito antes ainda de visitar a cidade. Aliás, só com o tempo, consegui reencontrar em Paris estas imagens que alimentaram a minha infância e adolescência. As primeiras vezes que lá fui senti-me esmagado e intimidado pela grandeza da cidade. Depois aos poucos, com o auxílio da literatura, da arte, da história e do cinema consegui ter a maturidade suficiente para descobrir a elegância e a beleza da arquitectura e urbanismo parisienses, que Laure Albin-Guillot tão bem mostrou.

A livro onde estão estas imagens chama-se Les Splendeurs de Paris e abre com uma citação de Paul Valery, muito a propósito da fotografia a preto e branco de Laure Albin-Guillot, em que afirma que a obra reduzida à luz e à sombra toca-nos mais e torna-nos mais profundamente pensativos, que o registo a cores. Não resisto a transcreve-la na íntegra e em francês. Comment le blanc et le noir vont parfois plus avant dans l’âme que la peinture et comment, ne prenant au jour que ses différences de clarté, un ouvrage réduit à la lumière et aux ombres nous touche, nous rende pensifs plus profondément que ne fait le registre des couleurs.

Laure Albin-Guillot (1879-1962) começou a sua carreira de fotógrafa como auxiliar do seu marido, investigador num laboratório, ao executar fotografias de micro-organismos. Nos anos 20 já era uma artista consagrada e premiada, que realizou retratos de André Gide, Paul Valéry e Jean Cocteau entre outros. Nos anos 30, foi fundadora da cinemateca francesa e ilustradora dos livros Narcisse de Paul Valéry e Les Chansons de Bilitis de Pierre Louÿs. Foi também autora de nus muito simples e inspirados.

Sta. Catarina de Alexandria: gravura dos finais do século XVIII

2011-08-10T21:48:00.001+01:00

Já aqui escrevi sobre Sta. Catarina de Alexandria, figura lendária cuja existência se confunde com a mítica Hipácia, a mulher filosofa, que defendia os ideiais do conhecimento helénico face a um Cristianismo cada vez mais asfixiante e que por essa razão terá sido assassinada por uma turba enfurecida, em 415 da nossa era.

Mas, desta vez, poupo-vos aos pormenores da vida da santa e o mote deste post é autor do registo que vos apresento, provavelmente datado dos finais do século XVIII. Apresenta Santa Catarina com a iconografia tradicional, a palma e o instrumento do seu martírio, a roda. Ao fundo há um pormenor delicioso, que representa a Santa quebrando a roda, com a força da sua fé.

Tirando o pormenor anedótico da Santa quebrando a roda, o desenho da estampa é mais académico e clássico do que o da maioria dos registos da época e iremos perceber porquê.

Como poderemos ver, no rodapé do lado esquerdo, a estampa está assinada por Godinho. O “F” no final, é abreviatura da palavra latina fecit, que quer dizer obviamente “fez”. O Senhor que a fez trata-se provavelmente de Manuel da Silva Godinho, um gravador do século XVIII, discípulo de J. Carneiro da Silva, sobre quem já aqui escrevemos. Segundo Luís Chaves, na obra Subsídios para a História da gravura em Portugal. Coimbra, Imp. Da Universidade. 1927 este Manuel da Silva Godinho destacou-se como grande produtor de estampas devotas.

Talvez em virtude de ter sido aluno de J. Carneiro da Silva na aula de gravura da Imprensa Régia, a futura Imprensa Nacional, que ainda hoje existe, da Silva Godinho deixou um trabalho artístico mais clássico que os outros gravador de estampas religiosas.

Biblioteca Nacional possui no seu acervo umas quantas estampas, que estão on-line, deste gravador, datadas entre 1790 e 1800. Gostei particularmente do retrato de Bento Joze Labre, que roubei no site da referida Biblioteca e que aqui reproduzo.

Impresso numa cor azulada, o meu registo reporta-se à devoção praticada na ermida de Santa Catarina, em Lisboa, que se situava no alto de Santa Catarina, onde hoje é o palacete da Associação Nacional das Farmácias. A ermida era propriedade da Irmandade dos Livreiros, o que fazia todo o sentido, pois estava localizada muito perto dos bairros onde se distribuiam as lojas destes comerciantes (Calçada do Combro, Bairro Alto, Chiado) e Santa Catarina, famosa pela sua erudição e cuja figura se confundia com a filosofa Hipácia, era naturalmente sua patrona.

Fotografias antigas da capela do Espírito Santo em Fronteira

2011-08-05T16:18:00.001+01:00

Quando escrevi o meu post sobre as ruínas da capela do Espírito Santo na vila de Fronteira, a Maria Andrade comentou com amargura a destruição de uma casa antiga em Anadia e na promessa não cumprida de a Câmara recuperar uma janela manuelina dessa casa, para a colocar num jardim. O Flávio escreveu que gostaria era de ver imagens da capela antes da sua destruição parcial, em 1970. Apesar da beleza destas ruínas, o que as pessoas queriam dizer era que teria sido bem melhor conservar e restaurar o monumento do que deixa-lo cair.

Estes comentários deixaram-me a matutar e resolvi procurar mais sobre esta capela, seguindo uma das pistas indicadas no site http://www.monumentos.pt/, que indica como referência básica o autor Keil.

O portal lateral

Calculei logo que se tratasse do Luís Keil, que entre outras coisas foi funcionário do Museu Nacional de Arte Antiga e descobri através de uma pesquisa bibliográfica, que o quer ele tivesse escrito sobre Fronteira só poderia estar Inventário artístico do Distrito de Portalegre, publicado em 1943.

O púlpito

Consultei o referido volume e lá estavam as fotografias da capela ainda inteira, apesar de já muito arruinada, com a porta principal emparedada. No entanto no início dos anos 40 ainda tinha tecto, o púlpito, um tecto e as 4 fachadas.

O portal principal já emparedado

Resolvi partilhar essas fotos com os seguidores deste blog, bem como com as outras pessoas que por aqui passam, trazidas ao acaso pelas pesquisas nos motores de busca. São fotos de fraca resolução e a preto e branco, mas documentos significativos.

O altar da fotografia inicial

Azulejos cosméticos

2011-08-03T17:15:00.003+01:00

As casas antigas são como as velhas damas, precisam de muito pó-de-arroz para tapar as rugas e as outras marcas do tempo. As estruturas dos prédios antigos lisboetas são muitas vezes em madeira, ainda segundo o esquema da gaiola pombalina e como esse material encolhe ou estica, consoante a humidade ou o calor, as paredes abrem rachas todos os anos, que é preciso corrigir aplicando massa tapa-fendas, tal como fazem as velhas senhoras às suas rugas. E depois, para o aparecimento de todas estas rachas concorrem factores como a sucessão de obras mal feitas nestas casas antigas, que as fragilizam para sempre e ainda os pequenos sismos, que volta meia volta, sacodem os habitantes destas casinhas

Os azulejos antigos são uma alternativa à massa tapa-fendas e um óptimo cosmético para as casas antigas e por isso há que tê-los sempre à mão. Nesta parede do quarto dos meus filhos existia uma racha particularmente persistente, que há uns três ou quatro anos tapava e que reaparecia sempre. Com um fragmento de um painel historiado do século XVIII, comprado por tuta-e-meia na Feira da Ladra, tapei a malvada racha e dei a ilusão, que quando fiz obras em casa, apareceu debaixo do estuque um vestígio de um painel antigo de azulejaria.

O azulejo é realmente um material versátil capaz de criar ilusões dentro e fora das casas.

A fotografia do colégio: Maria do Espírito Santo Montalvão Cunha

2011-07-29T19:22:00.007+01:00

Já há uns tempos que pensava mostrar este retrato de grupo, das meninas de um colégio religioso no Norte de Portugal. A fotografia capturou um momento da vida de um conjunto de raparigas e meninas, no início da década de 20, que hoje estarão todas mortas, ou talvez duas ou três das mais pequenitas estejam ainda vivas e contem com noventa e tais anos.

A minha avó Mimi com cerca de 15 anos

Entre as que já morreram encontra-se minha avó Mimi (1907-2000), Maria do Espírito Santo Montalvão Cunha. Está na última fila, no grupo das mais velhas. Aparenta uns 15 anos e portanto a fotografia poderá terá sido tirada em 1923, o que coincide com a data de um quadro que ela pintou no colégio, datado daquele ano e que se encontra em minha casa.

A pintura assinada em 1923

Falava bastante desse tempo do colégio interno, que deve ter ser sido muito marcante. Contava-nos, que do colégio tinham um pequeno acesso para a praia e que iam muitas vezes para lá passear em grupo com as colegas. Também nos dizia que tinha autorização para de manhã, acordar mais tarde que as suas condiscípulas. Os pais teriam transmitido às suas mestras, que ela era uma criança enfermiça. A sua longa carreira de grande hipocondríaca deve ter começado logo nessa altura.

A Mimi era uma pintora com algum talento

Julgo que neste colégio deve ter tido uma boa educação para a época. Aprendeu a pintar muito bem. Desenvolveu o gosto pela cultura, que também já lhe vinha de família e ensinaram-lhes uma caligrafia impecável, cursiva e cheia de ângulos. Voltei mais tarde a encontrar esse tipo de letra em documentos manuscritos por pessoas da sua geração ou um pouco mais velhas e acredito agora que aquela caligrafia correspondesse a um modelo definido, ensinado em todas as boas escolas. Durante alguns anos imitei deliberadamente a letra da minha avó, desenhando hastes angulosas, mas hoje já só tenho uma letra meramente cursiva, até porque cada vez escrevo menos à mão.

Claro, a educação que lhe deram no colégio não era destinada a exercer uma profissão. Naquele tempo as meninas iam para estes colégios, aprender a ler e a escrever, falar um pouco de francês, pintar, desenhar, bordar e talvez a martelar umas peças musicais simples ao piano. O objectivo era prepara-las a serem umas senhoras decorativas, que os maridos gostassem de apresentar em jantares de negócios e bailes, mas que ao mesmo tempo fossem piedosas e capaz de ajudar os filhos nos deveres escolares.

Nesta fotografia, as raparigas usam quase todas o cabelo curto, à garçonne, uma moda de penteados, que cortou radicalmente as tranças, os longos cabelos e as crinas que as meninas e senhoras usavam até ao final da Primeira Grande Guerra. Esta moda, que correu a Europa e os Estados Unidos a um ritmo alucinante no início dos anos 20, começou meramente por acaso, quando um dia Coco Chanel queimou o cabelo ao fazer um permanente e resolveu cortar o cabelo à rapaz e sair para a rua fazendo furor.

Algumas das moças, apresentam fitas como medalha ao pescoço, Umas são escuras outras claras. Julgo que seriam uns prémios dados às alunas com bons rendimentos escolares. Portanto, é provável, que esta fotografia tenha sido tirada no final do ano lectivo, aliás, na época, a fotografia era cara e só se chamava o fotógrafo em ocasiões especiais, como o final do ano lectivo.

A minha avó é das que tem uma medalha ao pescoço. Julgo que terá sido uma boa aluna. No seu livro de contos, baseado na sua própria vida, conta, que em resultado dos seus bons resultados escolares, os seus pais lhe pagaram uma viagem à ilha Madeira, o que para a época era um prémio excelente. Foi de barco, acompanhada de uma tia ou madrinha, já não me recordo, pois nos anos vinte as meninas não viajavam sem chaperon e foi uma coisa absolutamente inesquecível, pois dois dos seus contos falam dessa viagem e num deles, a sua personagem, conhece nas ilhas encantadas o amor da sua vida, o futuro marido.

A Mimi com o marido, o meu avô Silvino

Claro, depois a coisa não aconteceu bem como nos seus contos e a Mimi viveu um longo casamento com uma relação extremamente crispada.

Em todo o caso, o colégio foi um período marcante. Quando já estava demasiado idosa para viver sozinha e a perder as faculdades mentais, fui viver connosco e muitas vezes julgava que a minha mãe era a Directora do Colégio.

As únicas informações que eu tenho acerca deste colégio era que pertencia às Doroteias e estava localizado em Vila do Conde. Durante muito tempo pensei que fosse no Mosteiro de Santa Clara, aquela massa edificada que se vê, na margem do rio, mas fiz algumas pesquisas na net e não encontrei referência a nenhum colégio de Doroteias naquela terra nortenha. Parece ter havido naquelas datas, um colégio das Doroteias na Póvoa de Varzim, ali ao lado, dirigido pela célebre Madre Sá, uma educadora conceituada, que esteve refugiada na Suiça, no período mais anticlerical da República.

A escritora Agustina Bessa Luís, que frequentou este colégio escreveu alguns parágrafos sobre essa Madre Sá, elogiando o seu espírito de justiça. Talvez a Madre Sá seja a directora de que a minha avó falava, nos seus delírios de senilidade, quando regressava à infância,

Mais sobre a faiança de Estremoz

2011-07-26T15:46:00.001+01:00

Quando apresentei o post com a tampa da terrina do Manel, algumas pessoas congeminaram como seria o resto da peça, já que a tampa era por si só tão bonita. Talvez por querer satisfazer a imaginação desses seguidores, a nossa primeira seguidora misteriosa enviou-me imagens de uma terrina completa da sua própria colecção, que também é atribuída a Estremoz.

Nesta peça, podemos observar novamente a técnica de pintura atmosférica, que torna a produção da fábrica de faiança de Estremoz famosa. Como já referi no post anterior, para criar uma sensação de profundidade, pintam-se com cores mais escuras os elementos mais próximos do observador e aqueles que se quer dar a ideia que estão mais longe, são pintados com cores desvanecidas.

O uso do termo atmosférico tem a ver com o facto de que a técnica é geralmente utilizada para pinturas de espaços exteriores, para representar as poeiras e a humidade que distorcem o que o olho vê.

Mas não são só as perspectivas de pintura, que são notáveis nesta peça, mas também os pormenores das pegas da terrina e da tampa.

Mas como a nossa seguidora misteriosa é generosa, enviou-nos também uma bonita travessa, representando uma paisagem com casario da Fábrica de Estremoz, pintada na mesma técnica acima descrita.

A propósito do termo Fábrica, que usamos indiscriminadamente nestes blogs para falar do Rato, de Miragaia, Massarelos ou de Estremoz, entre outros, convém esclarecer, que em História, só se usa o termo fábrica, para grandes unidades de produção mecanizada, nascidas depois da revolução industrial, que como toda a gente, começou na Inglaterra em meados do Século XVIII e na restante Europa, ao longo do século XIX. Até à revolução industrial o que existem são manufacturas, unidades de produção já maiores do que as simples oficinas familiares, mas ainda com uma forma de trabalhar manual, aliás como o próprio nome indica (em latim, Manufactura, quer dizer feita à mão).

Ora, Estremoz, Viana, Rato, Miragaia, Juncal não tinham uma produção em massa mecanizada, como mais tarde, na segunda metade do Século XIX, veio a ter a Fábrica de Loiça de Sacavém. A rigor deveriam ser designadas por manufacturas. Contudo, segundo nos explica Sven Staff, na obra a Faiança portuguesa: fábrica de Estremoz, 1997 em Portugal, o termo usado nos documentos oficiais do século XVIII e princípios do século XIX é sempre Fábrica. Escreve-se a propósito da Real Fábrica do Rato, fazem-se requerimentos para a Fábrica de Miragaia no Porto ou relatórios sobre a Fábrica de Massarelos. Em suma, pode-se usar com propriedade o termo fábrica para estas unidades de produção cerâmicas, que estiveram activas entre 1750 e 1850, embora na realidade elas tivessem sido manufacturas.

O romantismo da ruína: restos da Capela do Espírito Santo em Fronteira

2011-07-22T17:09:00.004+01:00

Aprendi a julgar o mundo segundo as fórmulas de um certo pensamento cartesiano, muito francês, que era ensinado aos jovens nos cursos superiores de letras, em Portugal, ainda há cerca de vinte e cinco anos atrás. Mas apesar dessa formação, julgo que talvez seja um homem com uma faceta algo romântica, que se evidencia através de gosto pronunciado pelas coisas antigas e já sem préstimo, por histórias vividas por gente há muito morta e ainda pelo gosto da ruína.

O muro que se via ao longe

Foi esta atracção algo doentia pela ruína que me levou a suspeitar que um muro gigantesco, atrás de um cemitério, que eu via ao longe em Fronteira, quando passava de carro para levar os miúdos ao rio, poderia ser qualquer coisa de interessante. Um dos dias que passei por lá a caminho do rio, não resisti, desviei o carro com os garotos aos berros e fui investigar o muro e quando dei a volta, qual não é o meu espanto, quando encontro uma igreja quinhentista em ruínas, da qual só sobreviveu uma única parede, a da fachada Norte.

A surpresa: as ruínas da Capela do Espírito Santo em Fronteira

Apesar da tristeza e da sensação de abandono, encontrei uma enorme poesia naquela única parede em ruínas, mas ainda com as capelas laterais bem perceptíveis. Os restos desta igreja do Espírito Santo em Fronteira recordaram-me as ruínas das antigas igrejas portuguesas na Malásia ou na Índia e que já foram invadidas pela selva.

Aliás é curioso, que esta associação entre a selva e a ruína foi uma das novidades da jardinagem inglesa do século XVIII, que começou a introduzir em pontos chaves dos parques, falsas ruínas, convidando assim as damas galantes e os cavalheiros solitários a pararem por um momento e reflectirem sobre as vãs vaidades do mundo e a efemeridade das construções humanas. Estes pequenos monumentos, conhecidos pelo termo francês Fabrique de jardin serviam para assinalar pontos chaves do jardim, sítios onde existia uma vista bonita, uma cascata pitoresca ou árvores exóticas. Além de ruínas, estas Fabrique de jardin poderiam ser também simples colunas, templetes, estátuas ou pagodes.

Fugindo à rigorosa simetria dos jardins italianos ou franceses, foram os ingleses que nos finais do século XVIII e ao longo do século XIX criaram e aperfeiçoaram a ideia de que o jardim deveria recriar a natureza, criando a ilusão, que pequenas elevações eram montanhas, que charcos de rega eram lagos e que os simples trilhos eram caminhos numa floresta encantada. Os jardins deveriam induzir sentimentos e diversos estados de espírito aos seus caminhantes.

Falsa ruína no parque de Jean-Jacques Rousseau em França

E é neste contexto que o rosto pela ruína e pelo exótico se desenvolve na jardinagem. Seguindo a moda inglesa, constroem-se nos parques de toda a Europa templetes gregos, que se deixam deliberadamente por acabar, reaproveitam-se cantarias antigas, como as janelas manuelinas na Quinta das Cruzes do Funchal e fazem-se até réplicas de dolmens e antas.

Janela manuelina do jardim da Quinta das Cruzes no Funchal

São pois jardins extremamente sentimentais, que não devem deixar indiferentes os seus visitantes. Junto à janela manuelina experimentar-se-ia um sentimento de orgulho nacionalista, perto dos fragmentos da coluna romana, pensar-se-ia em civilizações perdidas e junto de outra ruína recordaríamos as paixões perdidas de uma juventude que já nos abandonou há muito.

Voltando a capela do Espírito Santo de Fronteira, é preciso dizer que é um lado de uma praça sem graça nenhuma, com um bairro social em frente. Eu imaginava para ali um jardim selvagem que integrasse poeticamente esta ruína. Talvez o nosso amigo Zé Júlio possa enviar uma proposta à Câmara Municipal de Fronteira, com um dos seus projectos de jardim xerófilo.

Tampa de terrina com paisagem em faiança de Estremoz

2011-07-20T21:44:00.002+01:00

Esta tampa de terrina estava há muito tempo no chão da feira de velharias de Estremoz, a chamar com o seu charme discreto os amantes de faiança. O Manel namorou-a primeiro, eu acariciei-a depois, mas não a comprei, estava muito cara, sobretudo atendendo ao facto de ser apenas uma mera tampa e apresentar marcas de restauros. Mas o Manel, que já comprou muita coisa à dona da banca, arrebatou-a por um preço bastante mais baixo num destes últimos fins-de-semana. Fiquei quase invejoso, mas as boas faianças, são como as belas amantes, disputam-se sem piedade.

Sem estar marcada, esta tampa apresenta nitidamente as características do segundo período da célebre Fábrica de Estremoz, que laborou entre 1773/4 e 1808. Nesta segunda fase, a produção da fábrica dividia-se nos seguintes tipos: pintura floral; rosetas; paisagens e ainda motivos diversos. A peça do Manel enquadra-se naturalmente na categoria das paisagens e revela umas das técnicas requintadas de pintura da referida Fábrica.

Num primeiro plano, é apresentado um rochedo, um arbusto ou um arvoredo em cores escuras e num segundo plano, uma paisagem com umas casas, torres ou templos, pintados em cores claras e desvanecidas. Está técnica de pintar a mais escuro o que está mais perto do espectador e a cores mais claras, o que está mais longe, consegue o dar o efeito de profundidade e é uma das marcas mais típicas de Estremoz.

Além do efeito de perspectiva acima descrito, esta tampa apresenta também as cores características desta fábrica, o amarelo e o verde, com algum azul aqui e acolá.

Quem quiser saber mais sobre esta fábrica, para além da Cerâmica neoclássica em Portugal. – Lisboa: IPM, 1997 deverá ler a obra de Sven Staff, Faiança portuguesa: fábrica de Estremoz, editada em 1997, pela Egger-verlag, bem como a Faiança de Estremoz. - Lisboa : Museu Nacional do Azulejo, 1995. Este último título foi-me indicado pelo Mercador Veneziano.

Vinhais por Alfredo de Andrade

2011-06-28T22:59:00.003+01:00

Não tenho bem uma terra. Nasci em Timor e fui criado em Lisboa num bairro incaracterístico. A sensação de ter uma terra, de pertença a qualquer lugar recebi-a dos meus pais. Chaves e Outeiro Seco são dois sítios cheios de carga histórica para minha família, mas afectivamente estou mais ligado às paisagens de Vinhais, a terra das férias maravilhosas na infância, aquelas montanhas desertas, onde já se anuncia o Norte da Europa.

Foi em virtude dessa afeição aquela vila transmontana, que, noutro dia, ao desfolhar o belíssimo álbum de desenhos de um arquitecto, que eu desconhecia inteiramente, Alfredo de Andrade, descobri encantado dois desenhos sobre Vinhais, executados em 1880.

As duas imagens são um testemunho histórico comovente, pois todo o casco histórico da vila, a partir das últimas décadas do século XX foi alterado, estragado e demolido e em seu lugar ergueram casas novas, que poderiam estar perfeitamente na Brandoa, um bairro construído clandestinamente às portas de Lisboa nos 60 e 70.

Nestes desenhos encontramos o velho burgo medieval, construído em xisto, as casas com grandes varandas em madeira de castanho e a Igreja e a Torre do Castelo a dominarem o conjunto, que apresenta um ar aconchegado, para proteger a população dos frios e do inimigo espanhol, que está a uns poucos quilómetros dali. Vinhais defendia a estrada entre Chaves e Bragança e durante a Guerra da Restauração (1640-1668) a vila foi cercada pelos espanhóis, comandados por um tal general Pantoja, um homem ferocíssimo, a julgar pelos documentos da época, que pilhou e queimou tudo o que estava fora das muralhas.

O autor dos desenhos, Alfredo de Andrade (1839-1915), fez quase toda a sua vida em Itália. Estudou arquitectura e artes e fez carreira naquele país, chegando a Superintendente dos Monumentos do Piemonte, Liguria e Pavia. Nesta função projectou e organizou o restauro de vilas, palácios e castelos e entre 1882-1884 foi responsável pela concepção e execução do borgo medioevale del Valentino, uma espécie de pastiche de uma aldeia histórica do Piemonte, destinada a uma daquelas grandes exposições internacionais que o século XIX tanto apreciou.

Alfredo de Andrade era pois um homem que gostava de história, edifícios antigos e andava por todo o lado acompanhado de um estojo de desenho, para captar qualquer pormenor arquitectónico ou paisagem que o encantasse. Foi por isso sensível à beleza que o burgo medieval de Vinhais apresentava em 1880, numa viajem que fez ao norte de Portugal. Ele que estava habituado às obras primas da arquitectura italiana, encantou-se com a pequena e esquecida vila de Vinhais.

Estes desenhos servem-me como imagens afectivas, que me transportam para um passado que já não existe. Mas, também publico-as aqui, porque tenho talvez a ingénua esperança, de que um dia reapareçam arquitectos no espírito de Raul Lino e num futuro próximo voltem a construir casas tradicionais em Vinhais e na Terra Fria do Nordeste.

Os desenhos deste artista radicado em Itália, foram reunidos e publicados pelo filho, Rui Andrade, num álbum, intitulado Arquitectura de Alfredo de Andrade, em 1961 e do qual só infelizmente só tive acesso ao primeiro volume.